동시대성과 로컬리티를 향한 길

부산시립무용단 50주년 기념 발전방안 토론회

9월 12일(화) 오후 3:00  부산문화회관 다듬채 1층

<사회>

1부 사회 황해순(前 부산문화회관 문화사업 본부장)

2부 사회 배학수(경성대학교 철학과 교수)

<발제자>

최찬열(무용비평가)

이상헌(무용비평가)

<토론자>

김은영(부산일보 문화부 선임기자, 부국장)

조봉권(국제신문 문화라이프부 부국장)

최은희(前 부산시립무용단 상임 안무자

<주요 참석자>

이정필(부산문화회관 대표이사)

이정윤(부산시립무용단 예술감독)

이노연(前 부산시립무용단 상임 안무자)

김재철(부산시립무용단 운영위원)

1973년 2월 25일, 전국 최초의 시립무용단으로 창단한 부산시립무용단이 올해로 창단 50주년을 맞았다. 부산시립무용단은 창단 후 우리 전통춤을 계승, 발전시키고 끊임없는 창의력으로 부산은 물론 한국 무용계를 주도해왔다. 또한 시립예술단으로서 시민들 곁에 보다 가깝게 다가가기 위해 ‘찾아가는 예술단’ 공연을 꾸준히 펼쳐왔으며, 문화도시 부산을 알리기 위한 문화사절단으로서 수많은 해외공연을 통해 우리 문화의 우수성을 알려왔다.

부산시립무용단은 올해 창단 50주년을 맞아 새로운 50년을 준비하고 나아가기 위한 토론회를 개최했다. 지난 9월 12일 부산문화회관 다듬채에서 열린 ‘부산시립무용단 50주년 기념 발전방안 토론회’에서는 토론의 발제를 맡은 무용비평가 최찬열, 이상헌 외에도 부산일보 김은영 기자, 국제신문 조봉권 기자, 전 부산시립무용단 최은희 안무자가 토론자로 나서 미래 부산시립무용단의 발전방향에 대한 다양한 의견을 공유했다. 이날 토론회에서 두 발제자는 부산시립무용단이 더 나은 미래로 나아가기 위해서는 한국무용의 ‘동시대성’, ‘로컬리티’ 구축이 무엇보다 중요하다고 강조했다.

이번 지면에서는 이날 토론회에서 제기된 주요 내용을 간략히 소개한다. 토론회 전체 내용은 올해 연말 발간되는 <부산시립무용단 50년사>에 수록될 예정이다.

이정필

오늘 무용단 50주년을 기념해서 발전방안에 대한 토론회를 갖게 된 것을 매우 의미 있게 생각합니다. 지난해 시립합창단 50주년, 교향악단 60주년을 계기로 이런 토론회가 근 한 20년 만에 이루어지는 것 같습니다. 특히 이런 발전방안에 대한 토론회를 기점으로, 시립무용단의 향후 50년의 역사를 새로 써나갈 수 있도록 많은 의견들이 제시되기를 기대하고 있습니다. 오늘 바쁘신 일정 중에서도 참석해주신 분들께 다시 한

번 감사드립니다.

황해순

이번 토론회에서는 부산시립무용단의 50년사를 회고하고 정리하여 향후 100년의 미래를 전망하는 좋은 자리가 되었으면 합니다. 특히나 오늘 발제하실 두 분은 부산시립무용단 50년사를 정리하면서 한국무용의 동시대성과 로컬리티에 대한 핵심 키워드로 부산시립무용단, 특히 한국무용이 나아갈 방향에 대해서발제를 해주실 예정입니다. 최찬열 선생님의 <한국무용의 동시대성과 로컬리티를 구축하라!-1980년대~90년대 초까지 부산시립무용단의 창작활동을 중심으로>라는 주제의 발제에 이어 바로 이상헌 선생님의 <부산시립무용단 작품의 동시대성과 로컬리티를 향한 길-부산시립무용단 50년사를 중심으로> 발제를 마친 후 토론을 진행하도록 하겠습니다.

최찬열

제가 오늘 발제할 내용은 <한국무용의 동시대성과 로컬리티를 구축하라!>로 정했습니다. 선언적인 의미가 담긴 제목인 것 같습니다. 특히 1980년대와 90년대 초까지 부산시립무용단의 창작 활동을 중심으로 이런 키워드로 풀어보려 합니다. 우선 서울이나 수도권, 전국에는 여러 공공무용단이 있습니다. 최근 한 2~3년 사이에 공공무용단의 활동을 살펴보면 크게 작품을 창작하는 데 있어서 두 가지 경향을 보이고 있습니다.

하나는 무용 작품의 ‘스펙터클화’, 두 번째는 ‘동시대성’을 추구하고 있다는 것입니다. 첫 번째, 무용 작품의 스펙터클화를 추구하는 데 있어서, 제가 예로 들고 싶은 사람이 바로 정구호라는 사람입니다. 이분은 패션 디자이너인데, 몇 년 전에 국립무용단과 <묵향>이라는 작품을 무대에 올린 후 국립무용단과는 <산조>라는 작품을, 그리고 서울시무용단과는 <일무>라는 작품을 올렸고, 경기도무용단과는 <경합>이라는 작품을 선보였습니다. 이를테면, 패션 디자이너가 우리나라에서 제일 중심이 되는 3곳의 무용단과 함께 작품을 무대에 올린 겁니다. 제가 보기에 가장 큰 원인은 작품의 스펙터클화고, 이것을 통해서 노리는 것은 대중성입니다. 이를테면 이 사람이 티켓 파워가 있다는 것이 되겠죠. 어쨌든 춤의 대중화를 앞세워 한국 춤을 스펙터클화하는 창작 경향을 보이고 있다는 게 큰 줄기 가운데 하나라고 봅니다.

두 번째 줄기는 동시대성이라고 말씀드릴 수 있습니다. 동시대성을 한국 춤 작품에 도입하려고 하는데, 공교롭게도 이것이 외부 객원 안무에 의지하고 있다는 겁니다. 이를테면 얼마 전에 국립무용단에서 현대무용가 차진엽, 또는 고블린파티 임진호를 객원 안무가로 데려와

서 한국 춤에 동시대성을 입히는 작업을 했습니다. 서울시무용단도 마찬가지입니다. 이승훈이나 김재덕을 객원 안무가로 데려와 한국춤과 현대춤을 접목시켜 동시대성을 안착하는 작품 경향을 보였습니다. 이거는 비단 이 두 무용단만 그런 것은 아닙니다. 제가 이야기하고 싶은 것은 바로 이겁니다. 그러니까 전국 공공무용단들이 문제점을 느끼고 있다는 것이죠. “과연 우리 작품이 동시대적 감성에 어필하고 있는가?”에 스스로 확신이 안 들다 보니 동시대 감성에 어필하는 작품을 만들긴 해야 하는데, 우리 자체적으로는 힘에 부치니 어쩔 수 없이 한국의 젊고 핫한 안무가들을 데려와 동시대성을 입히는 그런 작업을 하고 있는 겁니다. 다시 말해, 전국 공공무용단들이 “우리에게 주어진 과제는 동시대성이다.”라는 점을 이미 알고 있다는 겁니다. 그리고 그 해결 방법을 찾다 보니, 손쉬운 방법으로 현대춤 안무자들을 객원으로 데려와 그런 실험을 하고 있는 겁니다.

그런데, 한국 춤에 동시대성, 현대성을 입히는 작업, 현대춤 안무자들과의 협업은 이미 부산시립무용단에서 1990년대 초반에 진행했습니다. 그것도 두 번에 걸쳐서. 실질적으로 한국무용 기반 공공무용단과 현대춤 안무자의 조화로운 만남을 시도한 첫 번째 사례로 기록될 수 있습니다. 그때가 홍민애 선생이 안무가로 있던 시대인데요, 당시 이미 전국적으로 명성이 자자했던 남정호 안무가라든지, 정귀인 안무가, 이 두 사람과 함께 작품을 하기도 했습니다. 그때 이미 한국 춤이 앞으로, 그리고 한국 춤을 기반으로 하는 공공무용단이 지속 가능한 예술 단체로 쭉 뻗어나가기 위해서는 바로 현대성과 동시대성이 중요한 해결책 중 하나라고 여겼습니다.

그러면 “한국 춤에 동시대성만 입히면 부산시립무용단의 역할을 다 하고 있는가?”라고 물을 수 있겠죠. 그런데 저는 부산시립무용단뿐만 아니라 한국 춤에는 로컬리티도 장착해야 한다고 강조하고 싶습니다. 로컬리티는 흔히 지역성이라고 이야기 하는데요, 저는 지역성이라는 말보다는 로컬리티라는 말을 사용하고 싶습니다.. 지역성뿐만 아니라 거기다가 다른 의미도 덧붙이고 싶기 때문에 그렇습니다. 그렇다면, “왜 로컬리티를 입히는 것이 중요한가?”라고 했을 적에, 저를 대신하여 부산시립무용단과 인연을 맺었던 여러 선생님들의 말을 대신 인용하겠습니다. “전국에 무용단이 없는 지역이 없다. 살펴보면 춤이 비슷

비슷하다. 지금이야말로 <보리피리> 작품 같은 지역의 특성, 그 지역 사람의 기질이 가장 많이 드러나는 춤사위와 주제 의식을 가진 작품이 나왔으면 좋겠다.” 이게 김현자 선생이 하신 말인데, 김현자 선생님의 <보리피리>는 1981년도에 무대에 올려진 작품입니다. 이 작품의 춤사위를 보면 두꺼비춤, 도굿대춤, 보릿대춤 같은 생소한 춤이 등장하는데, 바로 동래야류에서 추던 춤입니다. 일종의 막춤인데요, 지금은 거의 추지 않습니다. 이런 춤들을 김현자 선생님이 작품에 과감하게 끌어넣어서 무대를 만들었습니다. 그런 작품인데, 김현자 선생이 앞으로 부산시립무용단이 어떻게 나아갔으면 좋겠냐는 질문에 “춤사위뿐만 아니라 춤 내용에 있어서도 지역성을 가졌으면 좋겠다.”라고 답을 하신 거죠. 그리고, “지방의 특성과 향토성을 지녀 투박한 몸짓을 특성화하여 전달하는 것과 지역을 소재로 부산에서의 역사적인 사실이나 인물들을 다루어 부산만이 가질 수 있는 특성적인 것을 살려 나갔으면 합니다.” 오늘 토론회에 참석하신 최은희 선생께서도 이렇게 답을 하셨습니다. 이렇듯 부산시립무용단과 인연을 맺었던 안무가들은 한결같이 로컬리티를 강조하고 있습니다.

제가 부산시립무용단 50년사를 쭉 정리를 하다 보니 부산시립무용단이 이미 이걸 1980년대 초에서 90년대 초까지 걸쳐 스스로가 다 하고 있더라는 겁니다. 앞서 언급했듯이 김현자 선생님 같은 경우 <보리피리>라든지, 최은희 선생 같은 경우 한국 춤의 컨템퍼러리화, 특히 현대화를 추구하기 위해 당시 유행하던 극무용이라든지 스토리텔링 위주의 춤을 선보였습니다. 이후 홍민애 선생의 경우에는 <다시 자갈치에서>라는 지역성 있는 작품을 선보이면서 남정호, 정귀인 선생 등 그때 당시 가장 유능하고 예술적 역량을 가진 안무가들과 협력작업을 하는 한편, 당시 한예종에 있던 김광림 연출가, 이윤택 연출가, 부산에 있는 이동재 연출가, 이기원 연출가 등과 협력작업을 하며 한국 춤의 동시대성을 확보하기 위해서 노력을 했습니다. 요컨대 이 무렵, 그러니까 1980년대 초부터 90년대 초까지 펼쳐졌던 부산시립무용단의 활동 안에 이미 부산시립무용단의 창작 방향과 기본 틀이 다 갖춰져 있었으며, 거기에 로컬리티와 현대성 혹은 동시대성, 그리고 대중성 등이 추구해야 할 핵심 가치로 담겨 있다는 것을 알 수 있습니다.

황해순

최찬열 선생님은 특히나 로컬리티와 동시대성, 이 두 가지를 강조하였습니다. 로컬리티라는 개념도 단지 지역성이라는 한정된 의미가 아니라, 향토성이나 그 내용, 형식, 춤사위까지도 지역성을 담보해야만 진정한 로컬리티가 된다고 말씀해 주셨습니다. 특히나 동시대성을 확보하기 위해서는 다양한 관객과의 공감대를 형성할 수 있는 주제성이나 춤의 영역들을 단순히 현대춤 전공자 내지는 안무자의 객원 안무 도입 개념이 아닌, 같이 융합해서 만들어내는 방법, 그리고 그 시도들이 이미 1980~90년대 부산시립무용단에 있었다는 점을 거론하면서, 굉장히 앞서간 그리고 춤에 대한 고민들이 이미 있어왔다는 것을 잘 정리해 주셨습니다. 이어서 이상헌 선생님께서 두 번째 발제를 진행하겠습니다.

이상헌

저는 앞의 최찬열 선생님 발제가 우리나라 한국 무용 전체의 경향 같은 폭넓은 이야기였다면, 저는 부산시립무용단에 국한된, 앞에 비하면 약간 각론적인 이야기입니다. 부산시립무용단 50년의 작품들 안에서 동시대성과 로컬리티의 사례라든지, 거기서 어떤 것이 이상적이었는가를 짚어보겠습니. 그리고 최찬열 선생님은 동시대성을 굉장히 강조를 하셨는데, 저는 로컬리티를 동시대성보다 앞에 놓고 이야기를 하도록 하겠습니다.

동시대성에 관해서 보통 포스트모더니즘 이후의 예술을 예술사조적으로 동시대적 예술이라고 이야기를 하는데요. 이 논의는 굉장히 복잡합니다. 그런데도 왜 한국 무용의 동시대성과 로컬리티를 향한 길이라는 이런 거대한 주제를 내세웠는가 하면, 우리가 목도하고 있는 한국 무용의 여러 작품을 통해서 이 시대 한국 무용의 ‘미학적 흐름’을 엿볼 수가 있고, 이 한계 안에서 동시대성과 관련한 키워드를 찾을 수 있을 것이라는 기대 때문이라고 봅니다. 흔히 동시대성에 관한 키워드로 ‘디아스포라’, ‘소수자 문제’, ‘분배의 불평등’, ‘혐오’, ‘소통’, ‘환대’ 이런 것들을 이야기하는데, 한국무용뿐만이 아니라 현대무용을 포함해 모든 무용 전반에서는 모던댄스가 오랫동안 차지했던 훈련된 몸, 고도로 정제되고 훈련된 몸이 추는 춤의 가치를 최로 쳤고, 그 가치가 지극히 일상적인 움직임이나 안무로 포획할 수 없는 움직임의 도전에 직면한 일 같은 것들이 지금 우리 무용계가 당면한 동시대적인 문제라고 생각합니다. 한국무용의 동시대성은 제가 생각하기에 일단은 전통춤의 권위에서 탈피해야 한다고 봅니다. 전통춤이 가치가 없다는 게 아니고 전통춤은 전통춤이 앉아야 할 자리가 있고, 그것이 동시대적인 가치로 해석되지 않으면 권위 말고는 별 의미가 없다고 생각합니다.

제가 생각하기에는 다양한 양태로 발현되는 동시대성은 로컬리티와 별도의 것이 아니라고 봅니다. 동시대성에 로컬리티가 포함되고, 로컬리티가 의미를 가지려면 동시대성을 갖추어야 합니다. 그렇지 않다면 로컬리티는 지나간 역사이거나, 신화나 전설이 되며, 기껏해야 겉모양을 잘 다듬어 포장한 관광 상품이 될 수 있습니다. 시립무용단 작품에서 로컬리티를 찾는 일은 중요합니다. 공공무용단이기 때문이고, 또 부산의 로컬리티의 근본이 부산에 관한 기억을 통한 지역정체성이라고 할 때, 이때 문제가 발생할 수 있습니다. 안무자들이 대부분 외지에서 옵니다. 여기서 한 2~3년, 3년 좀 더 있다가 가시는데, 이런 분들한테 부산에서 살고 있던 사람들이 생각하는 부산의 정체성을 똑같이 느끼라고 할 수는 없어요. 그런데 우리는 어떻게 보면, 같은 기준으로 보고, 부산 사람들이 생각하는 부산의 정체성과 로컬리티를 담아내었으면 하는 기대가 있습니다. 이것이 사실 문제를 발생시키는 지점이라고도 생각합니다.

그래서 일단, 창단부터 지금까지의 정기공연 작품들 중에서 부산의 로컬리티를 담아낸 어떤 작품들이 있었는가를 살펴봤습니다. 처음에 잘 아시는 창단공연 <아, 동래성>은 1, 2부로 구성되어 있는데, 1부는 전통춤 위주로 했고 2부는 극무용으로 했습니다. 우리가 지금 작품을 확인할 수는 없지만, 향토성과 민족의식을 강조하면서도 전위적이고 실험적인 성격을 띤 공연이었다는 기록이 남아 있습니다. 우리가 느낌상으로 짐작을 할 수 있다는 거죠. 그다음에 2대 김현자 안무자 같은 경우는, 기장 출신의 소설가 오영수의 <갯마을>을 모티브로 작품을 만드셨습니다. 앞에 최찬열 선생님이 언급하신 <보리피리> 같은 경우는, 역대 안무자들도 계속해서 언급하는 중요한 작품으로 인정을 받고 있습니다. 그다음에 홍민애 안무자의 <다시 자갈치에서>는 신태범 극작가의 대본을 받아서, 부산항을 배경으로 여러 인물의 다사다난한 삶의 역정을 묘사했는데, “자갈치 시장에서 살아가는 특수한 인간 군상을 묘사하는 데 지나지 않았다면 예술성은 크지 않았을 것인데, 그러나 향토적 소재를 다루면서 인간의 보편성을 담아내는 노력을 보인 점에서 예술적 가치가 달라졌다.”라고, 이 부분을 담당하신 배학수 선생님께서 언급하셨습니다.

그리고 오늘 와 계신 이노연 선생님 작품 중에서 <하늘과 별과 바람과 춤>이라는 작품은 영도다리를 배경으로 삼대에 걸친 여인네들의 삶과 애환을 시대적 흐름과 함께 표현했는데, 향토성 짙은 창작으로 부산의 역사성과 시사성을 가진 작품입니다. 8대 홍기태 안무자의 작품 중 <허허마다-갈매기의 비상>은 부산을 연상시키는 넓은 바다에서 사는 갈매기를 주인공으로 삼았고, 당시 부산에서 존재감이 컸던 춤패 연분홍의 임현미 씨를 안무자로 초빙하고, 지금도 활동하고 있는 현대무용의 춤꾼 4명을 기용해서 색다른 작품을 선보였습니다. 9대 홍경희 안무자는 <찬란한 유산>에서 동래학춤과 동래고무를 작품에 이용했고, <新 월인천강지곡>에서는 달맞이 고개인 와우산, 유엔기념공원, 40계단, 해운대와 동백꽃을 모티브로 했습니다. 김용철 예술감독은 부산의 지역성을 담는 것에는 크게 구애받지 않았다고 봅니다. 다만, <댄스 Four’s>에서 부산 출신으로 전국적인 인지도를 지닌 4명의 안무자들에게 작품을 맡겨 공연함으써 부산 무용계와의 친밀성을 내보였다는 의미를 부여할 수 있습니다. 그리고 지금 앉아계신 이정윤 감독의 첫 작품 <南風-South Breeze>에서는 부산을 직접적으로 언급하지는 않지만, 부산을 ‘남풍이 불어오는 곳’으로 상징화했으며, 지난해 <부산, 40계단>에서는 본격적으로 부산의 상징적 장소를 모티브로, 로컬리티를 담아내려고 하였습니다.

살펴본 바와 같이 안무자들은 부산의 지역 춤을 이용하거나, 부산과 관련한 소설이나 시를 바탕으로 하거나, 랜드마크를 모티브로 부산의 지역성을 담아내려고 하였습니다. 이 과정에서 부산의 역사와 지역의 리얼리티를 성공적으로 드러냈거나, 지역적 소재의 보편성을 담아내기도 했습니다. 반면 다소 관념적이거나 부산의 랜드마크를 피상적으로 활용하고, 이미 잘 알려진 내용을 동어 반복하는 작품도 있었습니다. 앞서 말씀드린 것과 같이 예술감독이 창작하는 데서 로컬리티에 대한 기대와 압박이 너무 높다 보면, 잘못하면 소재주의에 빠질

우려가 있습니다. 저는 그렇게 보는데요, 여태껏 시립무용단 작품에서 동시대적 로컬리티로호응을 얻은 경우는 대부분 소재주의를 벗어난 작품이었습니다. 즉, 시립무용단 작품에서 부산을 다룰 때 경계해야 할 것은 소재주의라고 봅니다. 소재주의는 부산 사람의 삶과 역사, 로컬의 리얼리티와는 괴리된 하나의 풍경으로 부산을 박제할 위험이 있다고 봅니다.

시립무용단 작품이 동시대성과 로컬리티로 향하는 길은 앞서 살펴본 역대 안무자가 부산을 다룬 작품에서 힌트를 얻을 수 있다고 봅니다. 몇 해 머무는 예술감독에게 특정한 방식을 압박하기보다 차라리 타자의 시각이 부산을 객관적으로 볼 수 있기 때문에, 예술가 개인의 역량과 고민에 의해 작품에 반영되는 부산을 기대하는 편이 나을 것이라고 봅니다. 소재주의를 경계하고, 현재까지 영향을 끼치는 전통이 무엇인지 살피면서, 예술가의 역량을 믿는 것, 이것이 부산시립무용단이 동시대성과 로컬리티를 향하는 길의 시작이 될 것이라고

생각합니다.

황해순

부산시립무용단의 작업 내용, 공연 내용을 중심으로 해서, 로컬리티와 동시대성이 작품에 어떻게 반영되어 있는지를 잘 분석해 주셨습니다. 부산의 로컬리티에 대해, 부산에 관한 기억이 바로 부산의 정체성이라고 하셨으며 지나친 지역성을 강조하다 보면 자칫 소재주의에 빠질 수 있다는 점을 강조하셨습니다. 또한 많은 안무자분들께서 너무 ‘부산적’, ‘부산성’에 매몰되어 압박이 갈 때는 도리어 역효과가 난다는 점을 지적했으며, 차라리 타자의 시선으로 부산을 객관적으로 보는 것이 의미가 더 있을 수 있다는 소중한 발제 의견을 주셨습니다. 이어서 지정토론을 바로 진행하도록 하겠습니다.

조봉권

50년 부산시립무용단 역사에서 이미 동시대성과 로컬리티를 가진 고민과 실천이 많이 이루어졌다는 점, 그리고 오늘 이 토론 자리가 50년 역사에 기반한 토론이라는 점에서 주목해야 할, 계속 쥐고 가야 할 포인트라고 강하게 생각했습니다. 동시에 말씀을 들으면서 로컬리티에 관해 생각을 해봤습니다.

<인정 사정 볼 것 없다>라는 영화에서 박중훈과 안성기가 나와서 주먹 쥐고 싸우는 장면이 있죠, 그 장면 하나만으로 그 영화가 기억될 정도로. 그런데 알고 봤더니 그것이 40계단이더라, 이렇게 되었을 때, 로컬리티가 살아나는 경우를 많이 봤었고요. 또 동시에 떠오르는 것이 성룡이 몇 년 전에 두바이를 무대로 만든 영화가 있는데, 이것이 두바이를 드러내기 위해 두바이만을 무대로 해서 만든 영화였습니다. 성룡이 만들면 뜨겠지 라고 기대했는데, 그 영화가 망했죠. 이것이 소재주의 같아요.

오늘 저는 이 토론을 아무래도 역사 중심으로 받아들이고 왔습니다. 어떤 것은 좀 벗어나기도 하는데, 읽어가면서 제가 준비한 세 가지 질문을 해보겠습니다. 첫 질문은 두 분의 발제문 방향에서는 조금 벗어나는데, 부산시립무용단 창단을 전후한 초기 역사에 관한 접근과정리 상황은 어떠한가요? 예컨대, 제 개인적인 경험이기도 한데요. 최근 부산시립무용단 창단 당시 최초 비상임 단원 2인 가운데 한 분인 하유영 선생 소식을 들었고, 건너 건너 이야기를 들으니 강이문 선생께서 부산시립무용단 창단 작업을 하던 때부터 그 직후의 일화, 본인이 체험한 내용에 대해서도 상당히 잘 기억하고 있다고 하더군요. 아까도 언급되었던 신태범 소설가·극작가는 부산시청에 소속된 시장님의 스피치라이터를 거의 수십 년 동안 하셨기 때문에 많은 데이터들이 있고, 초창기 레퍼토리시스템에서 활발하게 극작을 하셨습니다. 부산지역 일간지에 <부산문화 야사>를 오래 연재한 적이 있는데, 제가 지금도 한 번씩 자료로 쓰는 부산시립무용단, 부산시립예술단 관련 글들이 있습니다. 이런 초기 역사에 대해서 좀 더 정밀하고 폭넓은 접근이 필요한데, 이에 관한 상황이나 현황이 어떻게 되어가고 있는지가 첫 질문입니다.

두 번째 질문은 좀 보완적인 질문입니다. 저 개인의 강렬한 기억을 반추해 보면, 동시대성의 관점에서는 2005년 홍기태 안무가의 <더 워>라는 작품이 무척 강하고 또렷한 인상으로 남아 있습니다. 시대의 병폐나 아픔, 어둠을 사정없이 찌른 작품이었습니다. 한국 춤 기반이라는 생각이 들지 않을 정도로 현대적인 춤사위와 구성을 보였던 것으로 기억하고 있고요.저는 사실 오고무를 비롯한 스펙터클로서의 대형 춤 작품을 매우 좋아합니다. 그 속에 춤의 본질이 있다고 보기 때문입니다. 물론 그것이 전부는 아닙니다. 저에게 <더 워>가 기억남는 건 그때 제가 이 사회에서 막 고민하던 것들을 춤으로 묵직하게 풀어냈기 때문입니다. 그런 의미에서 지금까지의 논의에 보태는 의미에서 말을 하면, <더 워> 같은 경우는, 어떻게 언급이나 평가를 할 수 있을지가 저로서는 동시대성이나 로컬리티 관점에서 논의를 풍부하게 할 수 있지 않을까 생각합니다.

끝으로는 동시대성의 가치는 이 토론에도 적용이 된다고 생각하고요. 사실 동시대성이 결과만 놓고 보면 어렵잖아요. “그래서 그 작품이 내 인생에 어떤 의미가 있냐? 내 말 좀 들어줘.”라는 객석의 호소라고 생각합니다. 그런 의미에서, 50년사를 바탕으로 부산시립무용단의 운영 및 조직 형태를 진화시킬 방향은 어떤 쪽일까요? 이전에 1980년대~90년대 초, 2010년 전반까지라고 보는데, 그때는 부산 춤계도 튼실하고 풍부했죠. 춤을 통한 담론과 실험, 무엇보다 신진들이 배출되었던 시절이 있었는데 지금이 그렇지 않은 상황이라면, 안정된 기반에서 뛰어난 무용수를 가지고 탁월한 안무자가 결합하는 부산시립무용단이 지역사회에서, 지역예술계에서 해야 할 일이 달라진 것이 아닐까, 뭘 좀 더 해야 하는 것 아니냐는 요구가 나올 수 있다고 봅니다. 그렇다면 지금의 시립무용단의 조직 형태는 이상적인가, 이상적인 형태는 어떠한 것인가, 그 이상적인 형태로 한 발짝 더 나아가기 위해서는 어떠한 방향에서 손을 대야 할 것인가에 대한 실무적인 부분에 대한 질문도 뒤따라야 한다고 봅니다. 이렇게 세 가지 질문을 준비해 봤습니다.

이상헌

사실 초기 역사는 역사 서술에서 가장 중요합니다. 시작이기 때문에, 초기 역사가 흐리멍덩하고, 대충이면 뒤에는 정당성을 확보할 수가 없어요. 그런데 어려운 것은 시간이 오래됐기 때문에 기록이 단편적이고, 풍부하지 못하다는 문제가 있습니다. 예를 들었지만, 신태범 선생의 <부산문화 야사>라는 시리즈가 100회 넘게 했거든요, 그게 2000년대 초부터 했는데,이것은 어떻게 보면 야사가 될 수 있겠죠. 그리고 다른 강이문 선생이나 부산시사에 나오는 것을 정사로 본다면, 예를 들면 <삼국사기>하고 <삼국유사> 같은 것으로 봅니다. 저는 두 개가 다 적절히 섞여서 있어야 풍부할 수 있다고 보고요. 이것이 거의 숙제 같은 것으로 1980년 이전까지 초기 역사에 관해 정사, 야사 관계없이 폭넓게 역사를 전하는 기회가 있으면 좋겠다고 개인적으로 생각합니다.

그리고 <더 워> 같은 경우, 동시대성을 강력하게 건드린 작품이라는 점에서 저도 강력하게 동의를 하는 편입니다. 전쟁이라는 작품이 현상적으로 다루고 있는 것 너머에 있는 평화의 열망 등과 같은 가치를 다루고, 거기에 더해서 한국 춤극의 고정적인 형식을 탈피하는 형식적인 실험이 있었다는 부분입니다. 제 발제에도 나오지만, 무용 형식의 혁신을 이룬 작품이라고 한다면 그것도 동시대성을 갖고 있다고 생각합니다. 그러니까 이게 로컬리티가 드러나지 않더라도 동시대적 가치를 표현했다면 충분히 작품의 가치가 있다는 거죠. 왜냐하면 동시대성이라는 것은 지역과 무관하게 그 시대의 사람들 모두가 공감하는 가치이기 때문입니다. 그런 면에서 <더 워>의 가치가 있다고 말씀드릴 수 있습니다.

세 번째 말씀하신 부분은, 공공무용단으로서 부산시립무용단이 동시대성과 로컬리티를 지향하는 또 하나의 길이 장르와 지역무용계의 상황을 고려한 조직에 대한 고민, 또 이런 것들을 다 담은 조직 개편이나 조직 운영이 동시대성과 로컬리티를 담아내는 길이 아닐까 생각

합니다.

최찬열

초기 역사가 굉장히 중요하다는 것은 당연한 말씀입니다. 이 문제와 관련해서 저는 문화회관 측에 이야기를 하고 싶어요. 50년사 책을 만들면서 집필자 1인에게 한정된 원고지 매수가 100장 밖에 안 되어서, 이런 재미난 이야기를 다룰 수 없었던 거죠. 그래서 이상헌 선생님도 이야기했지만, 60년사에서는 이런 재미난 것들을 다 담을 수 있으면 좋겠다는 생각을 합니다.

그리고 조봉권 선생님이 춤에서 스펙터클을 좋아하신고 말씀하셨는데, 저도 스펙터클을 엄청 좋아합니다. 물론 이 스펙터클이 춤에서 없어서는 안 됩니다. 그러나 당연히 들어가야 한다는 것도 문제입니다. 제가 말씀드리고 싶은 요지 중 하나는 스펙터클이 전국의 공공무용단이 다 같이 추구해야 할 핵심 가치인가 하는 점입니다. 사실 스펙터클 이야기를 하시는 분들이 춤의 대중성을 강조하는데, 제가 봤을 때 대중성을 강조하는 것은 대중을 하향평준화 하는 논리나 명분이 아닌가 생각합니다. 왜냐하면 좋은 작품을 만들면 그것을 제일 먼저 알아보는 사람이 대중입니다. 예술성 높은 좋은 작품을 만들면 대중들도 많이 오고, 매체에서도 당연히 많이 오고, 다 해결이 되거든요. 그런데 왜 굳이 대중성을 이야기하면서 대중성 있는 작품을 만들겠다고 하는 것일까요? 그것이 과연 핵심적인 가치가 될 수 있을지에 관해서 저는 굉장히 의문이 갑니다.

김은영

부산시립무용단 창단 50주년 기념 토론회에 불러주셔서 오늘 기쁜 마음으로 왔습니다. 한편으로는 저는 쓴소리 아픈소리를 하고 싶습니다. 첫 번째로 “오늘 이 자리는 무엇을 하기위해 마련된 것일까?”라는 의문과 동시대성과 로컬리티, 그리고 부산시립무용단이 앞으로 나아가야 할 방향 정도로 알고 왔는데 오늘 얘기를 듣다보니 50주년 책자제작에 관한 내용에 비중이 조금 편향되어 진행하는 토론회는 아닌가, 하는 생각이 들어 내용을 떠나서 다소 혼란스럽습니다.

최찬열 선생님이나 이상헌 선생님이 말씀하신 동시대성과 로컬리티에 관해서는 200% 공감합니다. 제가 발제문을 읽으면서도 이것은 예술가라면 누구나 가져야 할 숙명적인 부분이고, 누가 말하지 않아도 기본적으로 안고 가는 고민인데, 그럼 왜 이런 문제를 새삼 들고나와 강조해야 할까? 뭔가 잘 안 풀릴 때, 이러지 않을까? 그러면서 옛날에 좀 잘했던 게 뭐가 있을까 하고 반추해 보는 그런 장면들이 펼쳐지고 있습니다. 최찬열 선생님과 이상헌 선생님도 말씀하셨지만, 공통적인 것은 동시대성이나 로컬리티를 떠나서, 좋은 작품이라면 다 살아남습니다. 관객들이 알아봅니다. 그리고 무용하시는 전문가들이 인정해 줍니다. 결국 그 근거가 되는 것은, 말씀하신 것처럼 얼마만큼 이 시대의 아픈 고민이나 내용들을 무용 작품 속에 담아냈는가, 그리고 기술적으로나 방법적으로 얼마나 새로운 도전과 실험을 해서, 작품에 대한 이해도와 완성도를 높이려고 노력했는가 등이겠죠.

그러면 결국 문제점은, 부산시립무용단 공연을 하면 특히 지난번 정기공연 <세헤라자데> 같은 공연을 했을 때, 시민회관 대극장이 넓기는 했지만 꽉 채우진 못했습니다. 그러면 시립무용단 공연을 할 때 관객들이 미어터지는가? 그러면 미어터지는 관객 중에 일반인과 무용인들의 비율은 얼마만큼인가? 그 부분에 있어서 무용단의 역할이 있을 것이고, 관객의 역할이 있을 것입니다. 또 무용단 이정윤 감독님도 계시지만 제작 환경 같은 것들은 원하는 대로 된 것인가? 실제로 어쩌면 예술감독을 뽑는 방법조차도 계속 똑같은데, 그런 점들은 잘 검증되고 있는가? 이런 여러 가지 근본적으로 되짚어봐야 할 문제점들이 많습니다.

그리고 저는 시립무용단은 달라야 한다고 생각합니다. 국립국악원에 무용단이 있습니다만, 기본적으로 부산에 이 정도 되는 무용단은 없습니다. 물론 이정윤 감독님 입장에서는 예산이나 지원 등에서 부족하겠죠. 그럼에도 불구하고, 시립무용단 만큼의 예산과 훈련된 무

용수, 공간, 홍보 등이 갖추어진 경우가 없고, 점점 무용하는 인구가 줄어드는 와중에 순수예술로서 살아남기 위해서, 그리고 전국 공공기관 최초의 시립무용단으로서 뭔가 새로운 것들에 도전하고 시도하면서 인정받고 분위기가 붐 업되는 일들을 해주면 좋겠다는 생각을 합니다. 그 부분들이 좀 미흡하다는 생각이 들어서, 그런 부분들을 타개하기 위해서 어떤 대책들을 세우고 있는지를 발제자가 아니고 이정윤 감독님께 여쭙고 싶습니다.

1년에 두 번 정도 하는 시립무용단 정기공연에 무슨 작품이 올라오는지를 일반인들보다 무용하는 사람들이 관심을 가져야 한다고 봅니다. 저는 관객도, 대중적인 관객만이 아니라 전문가적인 관객도 두려워할 수 있어야 한다고 생각합니다. 관객에 대한 두려움이 있다면, 그다음 작품은 정말 내 이름을 걸고라도 더 나은 작품을 하기 위해서 뼈를 깎는 각오와 노력을 하겠죠. 그런 부분에 있어서 얼마만큼의 피드백과 검토와 리뷰 과정을 거치는지, 그 부분에 대한 것도 정말 듣고 싶습니다.

이정윤

좋은 말씀 감사합니다. 다른 것보다는 50년사 발전방안에 대한 토론 시작점에서 동시대성, 그리고 로컬리티, 현재 우리가 겪고 있는 문제점까지 말씀해 주셨습니다. 토론 시작과정에서부터 쭉 지켜보면서 위원님들이 말씀해 주셨던 시대나 무용단 역사의 시작점, 동시대성, 로컬리티를 담은 작품들을 생각하며, 한편으로는 전국 단위나 해외에서 어떤 작품들이 이루어지고 있었나를 동시에 생각해봤습니다. 앞서 위원님들이 말씀하신 무용계가 갖고 있는, 풀어야 할 숙제 등도 고민해봤습니다.

첫째로 안무가를 길러내는 교육기관이 없습니다. 당시 특정 무용가들의 스타라고 이야기할 수 있겠죠, 지금에서는. 외국 사례도 마찬가지였고 한국에서도 마찬가지였지만, 특정 무용가 중심, 인물 중심이 되어 안무를 하고, 그들이 자연스럽게 안무가로 등용되는 과정이 흔했습니다. 제가 몸담고 있었던 국립극장 같은 경우에도 2010년대 초반까지 특별한 고민이 없었습니다. 왜냐하면 무용가들은 그냥 보러 왔기 때문입니다. 작품의 성향이나 동시대성, 얼마만큼 전통화하고 있는지 등에 대한 고민 없이, 작품을 내면 관객들이 꽉 찼기 때문입니다.

허나 융복합이라는 시대가 왔고, 다양한 문화나 컨텐츠들이 파생되고 발전하고, 스마트폰이라는 우리 손 안의 극장이라는 것이 생겨난 이후부터는 아날로그적인 현장 예술이 큰 타격을 입은 것으로 알고 있습니다. 그런 과정에서 국립극장 등과 같은 대형 극장들도 작품에 대한 변화를 꾀해야 했고, 그러다 보니 이런저런 시도들을 누가 먼저 하는가에 봉착을 한 지점들이 있습니다. 여기서 제가 고민인 것은 뭐냐 하면, 앞서 말한 것처럼 시대는 계속 이어져 나가고 있는데, 대한민국 안에 어느 한 곳도 안무가를 양성하는 곳이 없습니다. 그 지점이 저는 안타깝고요. 그렇다면 어떤 안무자, 어떤 성향을 가진 사람을 모셔와야 하고, 지금 동시대의 문제를 해결해 줄 수 있는 것은 무엇인가 하는 점입니다.

그런데 유독 달라진 점이 무엇이냐면, 춤의 황금시대를 맞이했던 시대에 비해 지금 가장 달라진 점은 예술경영과 기획자입니다. 지금은 관객들과 대중성, 예술성, 그리고 다른 많은 컨텐츠들 사이에서 살아남아야 하는 과정 중에서 PD, 곧 프로듀서가 강한 힘을 발휘하고 있습니다. 예전에는 특정한 스타 무용가가 중심이었다면, 2020년대 이후부터는 공연기획자와 전담 프로듀서라는 팀이 공연을 세팅합니다. 세분화되고 전문화되었다는 점이 장점이라고 볼 수 있지만, 김은영 기자님 말씀하신 것처럼 한 특정 예술감독이나 안무가에 의해서 이 모든 것들이 해결될 수는 없습니다. 예산을 많이 쓴다고 해서 좋은 작품을 내놓으리라는 보장도 없죠. 공공기관에서는 가성비가 높은 작품을 해주는 게 아무래도 좋을 테니까요. 광범위한 질문을 주셨고, 제가 광범위하게 답을 드릴 수밖에 없다는 점도 이해해 주시길 바랍니다. 향후 좀 더 개편이 되거나 좋은 방향으로 나아갈 수 있는 것이 있다면, 좀 더 전문화되거나 세분화된 그런 조직이 갖춰졌으면 하는 바람이 있습니다.

배학수

오늘 발표자 두 분의 주제는 부산시립무용단이 앞으로 나아가야 할 방향에 대해서 동시대성과 로컬리티라는 관점에서 전망하는 것입니다. 사실 이 제목은 저에게 낯선 제목이지만, 사실 이 주제는 보편성과 특수성의 문제입니다. 이 문제는 철학이라든지 예술에서 굉장히 많이 논의되었던 문제죠. 보편성은 시간과지역을 초월한 것이고, 특수성은 지역성 같은 것들이죠. 예를 들어, 물을 고려청자에 담을 수도 있고, 와인병에 담을 수도 있습니다. 또 사랑이라는 보편적 주제가 타이타닉 호라는 소재에 담길 수도 있고 춘향전에 담길 수도 있는 것입니다.

두 분 발표자께서는 부산시립무용단이 부산에 있지만, 부산이라는 지역성에 매몰되지 않고 부산의 지역적 기풍과 소재를 살리면서 한국의 보편적인 문제, 아니면 세계의 보편적인 문제를 다루어 주어야 한다는 관점에서 말씀하셨습니다. 토론의 논의가 너무 넓어졌는데, 이 주제에 맞춰서 질문을 해주시면 좋을 것 같습니다. 먼저 지정 토론자이신 최은희 교수님 말씀 듣도록 하겠습니다.

최은희

사실 제가 처음에 50년사를 만든다고 했을 때, 첫 회의를 참관했습니다. 과연 50년사가 어떻게 펼쳐질지, 빈약한 자료라서 어떻게 구성이 될지를 굉장히 염려했어요. 한편으로는 굉장히 기대되기도 했는데, 오늘 이런 자리를 마련했다고 해서 토론이라기보다는 제가 무용단에 잠시 있었고, 또 오늘 얘기한 부분을 압축해서 간단히 마무리하는 말씀을 드리고 싶습니다.

제 얘기를 잠깐 하자면, 시대적으로 왜 그런 작품이 왜 나올 수밖에 없었냐 하는 것에 대해, 제 자신의 배경이랄까 이런 것들을 말씀드려야 하겠습니다. 제가 정식 무용학과를 들어간 12회 졸업생인데요. 거기서 현대무용 수업을 받았습니다. 그리고 창작 수업도 제대로 받았고요. 당시 현대무용 졸업생들이 컨템퍼러리 댄스라는 작업을 한 첫 무대를 봤을 때 굉장히 부러웠어요. 우리도 저런 작업을 하고 싶다, 그래서 어떤 모임에 가서 워크숍도 하고 밤을 새워 이야기도 하고, 그런 것들이 저한테는 굉장히 와닿았습니다. 그래서 저도 한국무용으로서 ‘창무회’라는 작업에 참여했는데, 소위 그 시대의 창작춤이라는 것은 거의 다 신무용 스타일이었잖아요, 그런 것이 저로서는 너무 새로웠습니다.

다른 얘기로 넘어가서, 전통 클래식 발레이긴 하지만 왜 우리는 <백조의 호수> 같은 작품이 없을까? 안무자의 해석이나 무용 단체에서 지속적으로 하는 작품이 없을까? 비중 있는 작품들이 왜 지속될 수 없는가가 저에게는 의문이고 아쉬움이었습니다. 그리고 언젠가부터 부산시립무용단이 독도 같은 느낌도 들었습니다. 서울을 제외하고는 제일 큰 도시의 시립무용단인데, 그리고 부산시립무용단은 어떻게 보면 한국 춤의 역사라고 할 수 있잖아요. 그런데 언젠가부터는 우리끼리 하는 것 같은 느낌이 들어서 그런 부분이 아쉽습니다. 이번에 제가 알기로 부산시립무용단이 파나마에 가서 굉장히 큰 성과를 이룬 것으로 알고 있습니다. 그렇게 우리나라를 대표해서 해외에 갔을 때 전통을 바탕으로 한 훌륭한 작품으로 우리를 알릴 수 있는 게 부산시립무용단이라고 생각합니다. 그런 역할은 부산시립무용단만이 할 수 있다고 봅니다.

배학수

최은희 선생님께서 무용단 전반에 대해서 좋은 제안을 해주셨습니다. 이제는 토론을 듣고 있던 객석에서 질문을 해주시면 좋겠습니다. 발표자 두 분께서 동시대성과 로컬리티, 특수성과 보편성에 초점을 두었으니 그쪽에 맞춰서 질문해 주셨으면 좋겠습니다.

이노연

제가 또 부산시립무용단에 대해서 애정이 많습니다. 제가 무용단에 좀 오래 있었잖아요, 8년간. 여기 오면서 한마디라도 하고 와야 할 텐데, 뭘 이야기를 해야 할지 잠시 생각했습니다. 그러다 평소 가졌던생각이 떠올랐어요. 아이디어 싸움이잖아요. 어떤 소재, 어떤 주제를 잡을 것인가, 거기에서부터 출발하는데 부산시립무용단이 50년이나 되었고 87회나 정기공연을 했다면, 87가지 아이디어가 있었을 것이라고 봅니다. 그러면 그중에서 아까 최은희 선생님도 얘기했지만, <보리피리> 같은 소재나 테마가 좋았다면, 좋았던 작품을 가지고 새로운 시각에서 또 한 번 해보는 거죠. 그렇게 축적된 부산만의 작품이 연속적으로 나오다 보면, 거기에 보태지고, 쌓여지고, 결국은 독보적이고 개성적인 작품이 나오지 않을까 그런 기대를 해봅니다.

그리고 우리가 꼭 60분짜리 작품만 추구할 게 아니라 생각합니다. 저는 국립남도국악원에서 열리는 금요상설, 토요상설 무대에서는 8분 정도의 작품을 했습니다. 사실 최승희 시대에는 3분, 4분의 작품이었잖아요. 그리고 국악 음반도 보면 다 3~4분이에요. 거기서 그냥 결정이 되거든요. 처음의 3~4분은 도입부에 지나지 않는 건데, 거기서 전체 결론적인 걸 보여줘야 합니다. 그런 8분짜리의 임팩트 있는 작품이 필요한 게 아닌지, 너무 60분, 120분처럼 길게 하다 보니 완성도가 낮아지고, 대중의 관심과 집중을 잃는 게 아닌지 생각해 봅니다. 8분 정도의 임팩트 있는 작품으로 대중의 마음을 사로잡는 것은 어떨까? 이런 것도 제안해 보고 십습니다.

배학수

이노연 선생님 역시 부산시립무용단의 안무가를 오래 역임하셨기 때문에 부산시립무용단의 발전 방안에 대해 좋은 지적을 몇 가지 해주셨습니다. 첫째 리메이크, 옛날 작품을 리메이크를 했으면 좋겠다는 제안인데, 아마 지금 시립무용단에서 준비하고 있는 것으로 알고 있습니다. 옛날에 인기를 끌었거나 아주 의미가 깊었던 작품들을 다른 안무자들이 리메이크하는 작업은 굉장히 좋은 제안입니다. 그리고 또 하나 그만큼 중요한 것이, 시간을 단축시킨 작품을 만드는 것도 굉장히 좋은 제안이라고 봅니다. 철학의 글도 자꾸 좀 짧아지고 있는데, 두 가지 좋은 제안을 해주셨습니다.

김재철

오늘 50주년 뜻깊은 날, 제가 1989년부터 인연을 맺고, 쭉 지켜본 사람으로서 토론회를 지켜보고 잠깐 말씀을 드릴까 합니다. 그동안 모두 11분의 예술감독들이 시립무용단을 쭉 곁에서 지켜 왔습니다. 그분들은 취임하고 퇴임할 때까지 끝없는 고민을 했으리라 생각됩니다. 적은 예산으로 작품을 무대에 올리고 나면 다음날 신문에 실리는 기사가 과연 어떠한 평가를 내릴 것인가, 밤에 잠도 못 자는 그런 나날을 보내면서 지냈던 게 언 50년이 흐르지 않았나봅니다. 이제 또 50년이 지나면 100년, 1세기를 맞습니다. 50년이 지난 그 날 우리는 또다시 다듬채에 모여서 부산시립무용단 100년을 기념하는 행사를 가질지 모르겠습니다. 그날이 될 때까지 열심히 고생을 해주십사 부탁을 드립니다.

마지막으로 이 시대 최고 화두는 AI와 ChatGPT라고 합니다. 이미 문학 작품들은 명령에 대해 어떤 답이 내려지는가에 의존하고 있다고 하는데, 현재 예술감독을 맡고 계시는 이정윤 선생님은 ChatGPT에 무용이란 과제를 넣었을 때, 과연 어떤 답을 내릴까, 그것도 이 시대에 한 번 정도 생각을 해볼 수 있는 그런 작품을 구상해 보는 것은 어떨지 제안 드립니다. 부산시립무용단 100년을 향한 힘찬 정진을 기원하겠습니다. 고맙습니다.

배학수

선생님, 축하의 말씀을 정말 잘 해주셨고요. 지금 예술 감독님께도 현 시대성을 반영한 작품구상 제안과 방향성의 반영에 대한 말씀을 주셨다고 생각합니다.오늘 이 토론회 준비해주신 발표자 선생님들 감사드리고요, 토론자 선생님들, 참석자들, 그리고 이것을 준비해주신 예술단 관계자님들께도 감사드립니다. 오늘 토론회 마치도록 하겠습니다. 감사합니다.