[리뷰]

세계적인 문화도시를 향한 의미있는 발걸음

부산오페라시즌 오페라 ‘토스카

서상화 국립오페라단 교육사업팀장

북항에 세워질 부산오페라하우스의 성공적인 건립을 기원하고, 오페라 저변을 확대하기 위한 붐 업 차원에서 개최되고 있는 ‘부산오페라시즌’의 2023년 개막공연이 푸치니의 ‘토스카’로 부산문화회관에서 막을 열었다.

이번 ‘토스카’ 공연은 대구오페라하우스가 제작하고 정선영의 연출로 2021년, 2023년에 대구 무대에 올려져 이미 검증을 거쳤던 작품으로 이번에 부산의 여러 성악가들과 오케스트라, 합창단이 새로이 합류하여 재탄생된 공연이다. 작품의 배경이 되는 1막의 성 안드레아 델라발레 성당, 2막 파르네제 궁전, 3막 성 안젤로 성은 실제 현장의 구체적인 묘사보다는 실제의 분위기만 느낄 수 있도록 상징적으로 처리하였고 무대세트들의 이동과 재배치 등을 통하여 메시지를 던지고자 하는 고민의 흔적들이 역력했다. 1막의 마지막 장면에서는 성당 제단화를 완성하려는 화가 카바라도시의 의도를 무참히 파괴하고 정치 뿐 아니라 종교까지 자기 맘대로 주무르려는 스카르피아의 흑심을 벽화 세트를 갈라서 역동적으로 돌리고 변형하는 가운데 잘 표현하였으며 갈라진 벽화 사이를 뚫고 테데움을 부르며 전진하는 합창단의 장면이 압권이었다. 2막의 스카르피아가 토스카의 손에 죽어갈 때에는 전통적인 샹들리에가 아닌 스카르피아의 탐욕을 상징하는 여러 가문의 문양들이 뒤죽박죽으로 엮어진 침탈한 고물로 표현된 샹들리에가 조용히 아래로 내려오며 스카르피아의 파멸을 말해주는 장면이 인상적이었다.

음악적인 면에서 오페라 ‘토스카’는 푸치니가 요구하는 등장인물들의 심리와 언어의 뉘앙스에 따른 음악적 표현과 템포 변화 등 섬세하고도 유연한 표현은 물론 작품의 시작부터 끝까지 긴장을 놓을수 없는 지휘의 기술 뿐 아니라 안정적으로 음악을 끌고 갈 지휘자의 긴 호흡을 요구한다. 이번 공연의 지휘를 맡은 김현수는 사고없이 대체로 무난하게 공연 전체를 이끌고 갔다고 볼 수 있다. 1막에서는 오케스트라의 불안한 요소들이 다소 드러났지만 2막을 지나며 점차 안정적으로 마무리한 것도 지휘자의 공이라 생각된다. 하지만 푸치니 오페라 특유의 긴장과 이완을 반복하며 한방을 터트리는 시원한 맛은 부족했으며 이 오페라의 백미라 할 수 있는 ‘토스카’의 아리아 ‘노래에 살고 사랑에 살고’를 비롯한 몇몇 중요 음악들에서는 템포가 다소 빠르게 설정되어 극 중 인물들의 감정과 음악적 표현이 충분이 드러나는데 한계가 있어 보였다. 때로는 로맨틱하게, 때로는 긴박하고 오싹하고 박진감 넘치게 시시각각 변화하는 팔색조와 같은 음악적 면모는 다소 부족하였다.

출연진 선정에 있어서는 중앙과 지역 출신으로 활발한 활동을 하는 성악가들을 함께 캐스팅하고 이들을 양일 공연에 서로 혼합하여 배치한 것은 아주 현명한 결정이었다. 필자가 감상한 첫째날 공연에서 테너 신상근과 소프라노 서선영, 바리톤 안세범은 그 배역에 더할 나위없이 역할을 잘 소화해 내었다. 토스카로 분한 서선영은 확신에 찬 적극적인 연기와 특유의 시원시원한 목소리로 존재감을 드러냈으며 카바라도시의 아리아 ‘별은 빛나건만’에서는 테너 신상근의 서정미 넘치는 음악성과 죽음을 앞 둔 주인공의 절절한 감정을 탁월히 표현하여 가장 큰 박수를 받았다. 스카르피아를 맡은 안세범은 1막에서는 목소리와 연기 모두에서

다소 소극적인 느낌이었으나 2막에서는 조금 더 과장된 표현과 풍부한 성량으로 스카르피아 특유의 악의 화신의 모습을 확실히 보여주었다.

공연 프러덕션에 대해 잠시 언급하자면 이번 공연은 주최측인 부산문화회관이 온전히 제작한 공연이 아니라 작년에 이어 다시 대구에서 제작된 오페라를 가져와 공동제작 형태로 올렸다. 물론 한정된 예산에서 검증된 작품을 다시 올려 안정감을 꾀할 수 있는 장점은 있으나, 부산오페라하우스를 제작중심 극장으로 운영하기 위한 사전 작업의 의미로서 자체 제작과 인력 개발 및 그를 통한 제작능력 향상이라는 목적면에서는 다소 아쉬움이 남는다. 이에 부산시 또한 본 사업의 성공적 운영을 위하여 오페라 제작에 필요한 예산 지원 노력도 더욱 필요할 것으로 보인다.

오페라 공연에 있어서 음악적 색깔이나 전통 등 그 오페라단의 정체성을 가장 잘 나타낼 수 있는 부분이 오케스트라와 합창이라는 관점에서 부산시가 야심차게 계획한 부산오페라하우스 오케스트라와 합창단의 구성을 필자는 가장 관심있게 보았다. 예를 들어 비엔나국립오페라극장에서는 그 유명한 비엔나필하모닉오케스트라가 연주하고 독일 라이프찌히오페라극장에서는 게반트하우스오케스트라가 연주를 맡아 그 오페라단 고유의 색깔과 전통을 고스란히 보여준다. 우리나라의 경우 대구가 이와 유사한 방식으로 운영하지만 한계가 있으며 국립오페라단에서조차 오케스트라와 합창단을 외부에서 빌려와 공연하고 있는 실정이다. 이번 ‘토스카’ 공연에서 보여준 부산오페라하우스 합창단과 오케스트라의 연주력은 최상은 아니었고 기술적으로도 부족한 부분들이 노출되었지만 첫 술에 배 부를 수 있으랴. 연주는 하면 할수록 기량과 경험이 축적될 것이고 부족한 부분은 보완하면 될 것이다. 매번 공연마다 합창단과 오케스트라를 외부에서 빌려와서는 음악적 전통과 노하우가 절대로 쌓일수 없다는 점을 생각할때 부산시가 명확한 비전을 가지고 지속적이고 꾸준히 연주 기회를 주고 노력한다면 우리나라를 대표하는 오페라 전문오케스트라와 합창단으로 발전할 수 있으리라는 가능성과 기대를 가지게 했다.

음악, 문학, 미술, 무용 등 분야를 달리하는 모든 예술적 요소들이 합쳐져 만들어진다는 의미에서 오페라를 종합예술로 칭하며, 작곡가 바그너도 “오페라는 신이 인류에게 내려준 아름답고 화려한 선물, 종합예술작품이다”라고 표현한 바 있다. 그러한 맥락에서 미주나 유럽 유수의 도시에 있는 오페라극장의 수준과 그 도시의 문화수준이 비례한다고 여길 정도로 오페라를 차원 높은 경지의 예술로 보는 것은 어제, 오늘의 우연이 아니다. 소비도시의 이미지가 강하고 한때 문화의 불모지로 인식 되어온 부산이 오페라와 클래식을 앞세워 문화도시로 도약코자 한다는 소식이 전국적으로도 관심을 모으고 있다. 아무쪼록 부산시의 문화정책뿐 아니라 시민, 예술가들이 함께 노력해 좋은 결과로 이어지길 간절히 바라는 마음이다.

끊임없는 희곡 창작의 열정

부산시립극단 스타 프로젝트-김문홍 편

허은 연극평론가, 전 경성대학교 연극과 교수

이번의 스타 프로젝트는 부산의 원로 희곡작가 김문홍 선생의 작품 3편을 중심으로 기획되었다. 김문홍 선생은 부산연극을 위해 꼭 필요한 것 중 하나는 부산 작가가 쓴 창작 희곡이 많이 나오는 것이라 주장했고 스스로 희곡 창작에 매진 해 오고 있다. 부산의 대표적 희곡작가로서, 연극계의 원로로서 보여준 끊임없는 희곡 창작의 열정과 현장과의 소통 노력은 단지 원로연극인이라는 의미 이외에도 다양한 가치를 창출하고 있다.

강성우 연출의 <안개주의보>는 희곡의 제목만으로 이미 여러 가지를 암시하고 있다. 작가는 이 사회가 점점 짙어지는 안개 속에 있음을 경고한다. 선착장에 모인 인물들이 가지고 있는 억압과 결핍은 그들이 유토섬으로 떠나는 절박한 이유다. 그들은 유토피아를 암시하는 <유토섬>으로 가기 위해 선착장에 모여든다. 그들을 옥죄고 있는 모든 것에서부터 탈출을 시도하지만, 안개가 점점 짙어지면서 또 다른 고립의 상태에 빠진다. 더 늦기 전에 현실을 직시하고 미래에 대비하라는 주의보가 내려진다.

이 희곡이 발표된 시점을 현재로 옮기기 위한 여러 극적 장치가 동원되면서 지금 이곳이라는 현실감을 강조하는 변화를 시도한다. 각 인물의 성격은 희곡 그대로이지만 몇몇은 직업이나 환경이 원작과 다르게 설정된다. 이 공연을 이해하기엔 어려움이 없다. 연출은 충분히 설명하고 관객은 이해했지만, 공감의 폭은 제한적이었다. 이유는 어디에 있을까. 그것은 명곡을 감상하고 난 후에 한 소절의 멜로디를 기억하고 흥얼거리게 되는 것 같은 공감이 없기 때문이다. 형식을 변용하면서 다양한 그림을 만들어냈지만, 개별적인 것을 전체로 아우르는 경향이 부족하기 때문이 아닐까.

작고한 문학평론가 김현은 문학의 경향을 일러 한 사회가 형성해 내고 세련시키는 것이라 했다. 그 경향은 그 사회 구조의 모순을 ‘비난하고 고려하기’ 위한 것이 아니면, 사회 구조를 현상 그대로 드러내기 위한 것이라 했다. 연극은 문학보다 더 사회 참여적 성격이 강하기에 한 사회가 소유하고 있는 연극 형태가 그 사회와 아무런 관련도 없이, 하늘에서 뚝 떨어진다는 법은 도저히 불가능하다. 어떠한 방식으로 든지 그 사회에서 뿌리 박을 수 있는 연극 형태는, 이미 그 사회의 묵인을 전제하고 있으며 어떤 의미에서는 장려까지 받는 것이다. 공감의 가능성을 많이 가지고 있다면 그 형태는 마치 높은 곳에서 낮은 곳으로 흐르듯이 다른 사회로 삼투, 확산될 가능성은 커진다.

강성우 연출의 작품들은 적어도 이제까지 내가 본 작품들만을 기준으로 한다면 안정감이 있다. 과감하거나 실험적이기보다 조용히 흐르는 냇물 같은 작품을 만들어 왔다. 크게 욕심을 내기보다는 희곡이 구석구석의 세계를 정밀하게 해석하고 표현한다. 이번의 작품 역시 그러한 연출에 대한 나의 신뢰로부터 출발했지만 기대는 충족되지 못한 채 관람 내내 두통에 시달려야 했다. 표현 형식의 모호함 때문이었다. 물론 지금이나 그때나 작가가 마주한 현실은 변함이 없다. 그러나 과거의 세계를 오늘의 세계로 옮겨오는 과정에서 연출은 형식적 변용을 지나치게 의식한 나머지 보편성, 보편적 가치를 혼란스럽게 만든다.

윤준기 연출의 <사자의 편지>는 김문홍 선생의 희곡 가운데 드물게 추리극 형식이다. 시작부터 끝까지 관객은 연기자의 고함과 상투적 연기로 일관된 무대를 바라본다. “욕망의 바벨탑이 무너졌다”라는 형사반장의 한마디를 듣기 위해 객석에 앉아 기다림의 인내심을 시험당한 연극이었다. 이 극 속에서의 등장인물들은 뒤엉킨 욕망의 본질을 보여주지 못한다. 독일의 심리학자 빌헬름 분트의 ‘성격(Character)은 주어진 환경에 대한 인간의 의지적 반응’이라는 정의를 따른다면, 주어진 환경만 있을 뿐 극 속의 거의 모든 인물은 환경에 반응하는 인물로서의 세밀한 성격 구축은 부족했다. 의지가 있는 인간의 모습이 평면적으로만 표현되었을 뿐이다. 겉모습만 보일 뿐 내면의 인간 본성은 사라져 찾기가 쉽지 않고 불편한 무대 요소들의 뒤엉킴만 보인다.

그 가장 큰 원인은 희곡 속 인물의 성격이 배우에 의해 재창조되고 있지 못한 결과와 내면 연기의 부족이 원인이 아닐까. 주어진 환경에 대한 각 인물의 의지나 반응의 섬세함은 없고 줄거리만 머리에 남는다. 형사 3인의 연기는 통속 영화에서나 보이는 그저 그런 연기로 일관된다. 그들은 창조된 연기를 하지 않는다. 재벌 회사 대표를 중심으로 한 조직 내의 인물들 상호 관계의 역학성도 보이지 않는다. 혹시, ‘아마 그럴 것이다’라는 짐작만으로 만들어냈다면 공감이 아니라 설명을 듣는 입장밖에 안 된다. 개개인이 등장인물의 캐릭터로서 부각되지 못하고 무대 위를 떠다닌다. 그들이 지닌 인간으로서의 욕망과 행동의 심리적 해석을 기대했던 관객은 이 연극의 타자일 뿐이다.

상투적인 연기, 관념적 접근은 욕망의 끝을 향해 달리는 인간성의 본질, 현대인이 지닌 부정적 측면에서의 보편적 특성이라는 작가의 서술 외에 연출이나 배우의 고민이 보이지 않는다. 대기업의 추잡한 내부가 각 등장인물에 주어진 환경이며 동시에 오늘날 사회의 부조리한 단면이라면 이에 대한 각 등장인물의 더 섬세한 반응이 표현돼야 했다는 아쉬움이 남는다. 그들의 몸짓, 표정은 인물들의 신경질적인 고함에 묻힌다. 심리적 상태를 표현해주는 다양한 요소들은 찾기 힘들고 마치 낭독극을 마주한 듯한 시간을 보냈다.

이번 스타 프로젝트의 마지막 작품인 <목련꽃 그늘 아래서>(권상우 연출)는 단편 소설 같은 작품이다. 과거든 현재든 누구나 한 번쯤 생각하는 가족 간의 갈등을 다룬다. 가족의 갈등을 다루는 작품들의 공통적인 결말은 늘 그렇듯이 화해와 용서로 끝을 맺는 경우가 많다. 그래서 관객은 결말을 쉽게 예측할 수 있기에 진행 과정에서 갈등의 양상을 긴장감 있게 풀어나가는 극적 표현의 기법들을 적정하게 배치하는 연출력을 필요로 한다. 조명이나 무대장치, 음악이 긴장감을 높여주는 요소로써 큰 힘이 되어야 하지만 이 작품에서는 모두가 설명적인 역할을 가지고 있을 뿐 극 흐름을 의미 있게 도와주지는 못했다.

상황을 설명하는 딸 영란의 위치는 고정되고 반복되어 긴장감보다는 단순 설명에 그친다. 물론 목련 꽃잎으로 상징화된 영란의 집이 처음부터 끝까지 무대를 지배하면서 영란 어머니 삶을 강조하긴 했지만, 필요 이상으로 정제되어 있어서 가족 내면의 세계를 들여다보는 데 부담을 주기도 했다. 무대 일부를 분리해 밥상 혹은 다른 용도로 활용한 것은 일견 좋은 아이디어로 보이지만 그 공간의 반복적 활용은 무대의 미적 정체성에 혼란을 준다. 관객은 무대상에서 생략된 부분을 스스로 채워놓을 수 있는 능력이 충분히 있다는 점을 잊은 채 필요 이상의 너무나 친절한 연극이었다.