[서울통신원]

연출가 시대의 오페라…

새로움과 억지스러움 사이

장지영 국민일보 기자, 공연 칼럼니스트

지난 10월 전국에서 오페라 공연이 봇물을 이뤘다. 이 가운데 오페라 팬들의 관심이 몰린 것은 성남아트센터의 <나비부인>(12일~15일)과 예술의전당의 <노르마>, 세종문화회관의 <투란도트>(이상 26일~29일)였다. 최근 국내 여느 오페라 프로덕션과 비교해 대규모 제작비가 투입됐을 뿐만 아니라 세계 무대에서 활약하는 소프라노 임세경, 여지원과 테너 이용훈이 출연했기 때문이다. 여기에 패션 디자이너 겸 크리에이티브 디렉터 정구호, 한국 연극계를 대표하는 연출가 손진책, 스페인의 저명한 연출가 그룹 ‘라 푸라 델 바우스’ 멤버인 알렉스 오예가 각각 연출을 맡은 것도 세 작품을 놓칠 수 없는 이유였다.

세 작품의 공통점을 꼽자면 원작의 시·공간을 충실히 재현한 전통적인 무대 대신 연출가의 해석에 따라 시대 배경이나 결말 등을 바꾼 레지테아터를 시도했다는 것이다. 1930년대 독일에서 등장한 ‘레지테아터’(Regietheater)는 1970년대 오페라계에서 받아들여졌는데, 프로덕션의 중심이 지휘자나 성악가에서 연출가로 바뀌는 계기가 됐다.

특히 유럽 연출가들은 오페라를 새롭게 보여주기 위해 경쟁적으로 아이디어를 내기 시작했다. 무엇보다 에로티시즘과 폭력성이 증가했는데, 작품의 의도를 극단적으로 표현함으로써 즉각적으로 관객의 시선을 사로잡았기 때문이다. 이런 레지테아터의 유행은 오래 전에 만들어진 오페라가 현대 관객에게 지루하지 않게 다가설 수 있도록 하기 위해서다. 다만 레지테아터 오페라에 대한 불만이나 비난도 적지 않다. 특히 설정 자체가 억지스러운 경우도 적지 않아서다. 원작의 주제를 두드러지게 만드는 것을 넘어서 아예 새로운 이야기를 만드는 것에 대해 전통적인 팬들은 질색한다. 한국의 경우 오페라 장르 자체가 대중적이지 않기 때문에 레지테아터 연출이 매우 적은 데다 유럽에서처럼 파격적이지도 않았다. 이번에 서울과 성남에서 공연된 <나비부인>, <노르마> <투란도트>는 국내에서 레지테아터 오페라를 확실히 각인시키는 계기가 됐다.

<나비부인>은 이탈리아 작곡가 푸치니의 대표작 중 하나다. 19세기 일본을 배경으로 어린 게이샤 초초와 미군 장교 핑커톤의 비극적인 관계를 담았다. 핑커톤이 초초를 현지처로 여기다가 미국으로 돌아갔지만, 초초는 홀로 아이를 낳아 기르며 핑커톤을 기다린다. 그러나 수년 뒤 아내와 함께 일본에 온 핑커톤을 보고 초초가 스스로 목숨을 끊는다는 내용이다.

정구호는 <나비부인>의 배경을 서기 2576년 우주로 설정한 뒤 엠포리오 행성의 사령관 핑커톤이 평화 협상을 위해 파필리오 행성으로 갔다가 초초 공주를 만나 벌어지는 이야기로 바꿨다. 현대 관객에게 불편한 원작의 제국주의와 오리엔탈리즘을 배제하기 위해 전통적인 일본 배경 대신 미래의 우주로 설정한 것이다. 하지만 정구호의 시도는 공감을 얻지 못했다. 관객 대부분이 이탈리아어를 모른다는 이유로 무대에서 성악가가 부르는 아리아와 레치타티보의 가사를 자신의 콘셉트에 맞춰 자막을 달았는데, 당연히 편의주의적 연출이라는 비판을 초래했다. 게다가 새로운 설정의 설득력이 떨어져서 일각에선 ‘이야기가 우주로 날아가버렸다’는 냉소까지 나왔다. 정구호 특유의 아름다운 미장센도 이야기와 융합되지 못했다.

예술의전당이 전관 개관 30주년을 기념해 선보인 벨리니 <노르마>는 2016년 영국 로열오페라극장 프로덕션을 가져온 것이다. <노르마>는 고대 갈리아 지방의 드루이드교 대사제 노르마가 자신들의 정복자인 로마 총독 폴리오네와 내연 관계인 데서 시작된다. 제사장 오로베소의 딸인 노르마는 순결 의무를 어기고 폴리오네와의 사이에서 몰래 두 아이를 낳은 사이. 하지만 폴리오네의 마음이 어린 여사제 아달지사에게 옮겨간 것을 안 노르마는 괴로움을 겪다가 자신을 희생하기로 결심한다. 사람들에게 자신의 죄를 고백한 노르마는 두 아이를 아버지에게 부탁한 뒤 불 속에 뛰어들고, 예전의 사랑이 되살아난 폴리오네 역시 노르마를 뒤따른다.

오예는 <노르마>를 현대에도 존재하는 극단적 기독교 공동체와 그 속에서 억압당하는 개인의 이야기로 바꿨다. 이를 위해 십자가와 면류관 등의 상징들을 활용했다. 하지만 원작에서 중요한 점령군과 피지배 집단의 대결 구도가 희미해지다 보니 폴리오네라는 캐릭터가 이상해졌다. 게다가 맨 마지막에 오로베소가 노르마에게 총을 쏘는 장면은 딸의 고통을 줄이고 싶은 아버지의 애정을 나타내는 연출이지만, 노르마의 희생이나 카리스마를 약화시켰다.

끝으로 서울시오페라단이 선보인 푸치니 <투란도트>는 고대 중국을 배경으로 선조인 로링 공주가 침략자에게 유린당한 탓에 남자를 혐오하며 결혼을 거부하는 투란도트 공주의 이야기다. 투란도트가 낸 수수께끼를 풀지 못한 구혼자들이 참수당하는 가운데 칼라프 왕자가 마침내 수수께끼를 풀어낸다. 그리고 칼라프는 자신을 사랑하는 시녀 류의 희생으로 투란도트의 사랑을 쟁취하게 된다.

그런데, 푸치니가 류의 죽음 장면까지만 작곡한 뒤 타계하는 바람에 지금의 <투란도트>는 지휘자 토스카니니의 감독 아래 작곡가 프랑코 알파노가 미완 부분을 마무리한 것이다. 다만 동화 원작이라도 투란도트가 갑자기 사랑에 빠지는 결말의 설득력이 떨어진다는 지적이 초연부터 나왔다. 상식적으로 칼라프의 강제 키스는 투란도트의 트라우마를 악화시킬 가능성이 크다. 또 칼라프가 자신을 위해 자결한 류를 보고도 투란도트에게 구애하는 것은 사랑이 아닌 권력욕으로 해석된다.

이에 따라 레지테아터의 등장과 함께 <투란도트>의 새로운 결말이 잇따라 시도됐다. 중국풍 해피엔딩 사랑 이야기에서 벗어나 전체주의적 질서에 대한 비판과 함께 투란도트의 심리적 트라우마가 강조되기 시작했다. 특히 페미니즘의 영향으로 투란도트가 칼라프의 구애를 거부하고 죽음을 택하는 결말이 많이 등장했다. 손진책은 이번에 <투란도트>의 배경을 전체주의 디스토피아 국가로 바꿨다. 류의 죽음까지는 기존 버전과 유사하지만 피날레에서 투

란도트가 스스로 죽음을 택한 뒤 류와 함께 영혼으로 등장한다. 이와 함께 그동안 어두웠던 무대가 하얗게 바뀌고 흰 옷을 입은 군중이 칼라프와 함께 노래하며 끝난다. 류에 이어 투란도트의 죽음으로 국가를 구원한다는 결말이다. 손진책의 연출은 아직도 한국에서 뿌리 깊은 남성 중심적 관점을 보여준다. 모권제 사회를 상징하는 투란도트가 죽어야만 칼라프가 상징하는 율법과 질서의 사회가 나온다는 손진책의 해석은 현대 관객의 눈높이나 세계적인 흐름과는 차이가 크다.