음악과 함께 떠나는 세계 박물관 여행 ②

음악이 주는 놀라운 힘

클리블랜드 미술관

이장직 서울대학교 서양음악연구소 총괄연구원

한때 공업도시였던 미국 오하이오주 클리블랜드는 예술애호가들이 방문해도 손색이 없는 문화도시다. 1918년 창단한 클리블랜드 오케스트라는 뉴욕 필하모닉, 보스턴 심포니, 시카고 심포니, 필라델피아 오케스트라와 더불어 미국 5대 교향악단으로 손꼽힌다. 클리블랜드는 1952년 팝음악 사상 첫 록큰롤 콘서트가 열린 곳이다. 1983년 개관한 록큰롤 명예의전당에는 매년 900만여 명이 방문한다. 4만 5000여점의 소장품을 자랑하는 클리블랜드 미술관도 빼놓을 수 없다. 웨이드 공원 한복판에 자리잡은 이 석조건물은 1916년 이곳 출신 상공인들이 의기투합해서 지었다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관, 보스턴 미술관, 필라델피아 미술관, 시카고 아트 인스티튜트와 더불어 미국 5대 미술관에 든다. 개관 때부터 입장료가 무료다. 인근에 클리블랜드 오케스트라의 상주무대인 세브란스 홀이 있다. 클리블랜드 미술관은 거의 모든 소장 작품을 전시해놓기 때문에 언제든 볼 수 있다. 루브르나 뉴욕 메트로폴리탄 미술관처럼 전시 공간이 모자라 수장고에 있는 작품과 교체하지 않는다. 미술관 홈페이지에서 온라인 컬렉션에서 ‘음악’을 입력하면 333점이 나온다.

신분체계마저 허문 음악의 힘

이 가운데 가장 눈길을 끄는 작품은 윌리엄 시드니 마운트(1807-1868)의 ‘음악의 힘’(1847)이다. ‘음악의 매력’ ‘음악 감상’이라는 타이틀로도 소개되었던 작품이다. 1991년부터 클리블랜드 미술관이 소장 중이다. 미국 뉴욕주 세타우켓 출신인 마운트는 주변에서 쉽게 접할 수 있는 풍경이나 일상생활에 주목하는 장르화를 즐겨 그렸다. ‘음악의 힘’도 남북전쟁 직전의 롱아일랜드의 농촌을 배경으로 한 작품이다. 흑인 노동자는 잠시 쉬는 동안 음악으로 몸과 마음을 재충전하는 중이다. 곁에는 술병과 도끼가 놓여있다. 옷차림으로 미루어 볼 때 목공수로 보인다. 흑인 남성은 모자까지 벗어들고 음악에 대한 경의를 표한다. 술잔을 든 왼손은 마치 바이올리니스트의 핑거링을 따라하는 듯한 모양새다. 바이올린 소리에 이끌려 마을 헛간 입구까지 왔지만 선뜻 안으로 들어서지 못하는 아웃사이더이다. 문 뒤에 숨어 있는 것이 눈에 띄면 쫓겨날 게 분명하기 때문이다. 하지만 음악이 주는 놀라운 힘은 실내와 바깥이라는 공간적 차이로 표현되는 흑백의 신분 체계마저 허문다. 음악의 힘 앞에는 문화적, 경제적, 인종적 차이마저 무용지물이 되고 만다. 음악을 들으며 피로를 씻으며 누리는 행복감에는 피부 색깔이나 빈부의 차이가 없다.

장에티엔 리오타르(1702-1789)의 파스텔화 ‘프랑수아 트롱생의 초상화’(1757)는 그림 속 주인공의 가문을 거쳐 1978년 클리블랜드 미술관에 보금자리를 마련했다. 트롱생은 제네바 태생의 변호사 겸 작가로 두 살 손위의 절친 리오타르의 권유로 네덜란드, 독일, 이탈리아 회화를 대거 수집했다. 이 가운데 대부분은 러시아의 카테리나 2세가 구입해 현재 상트페테르부르크 예르미타시 미술관에 있다. 초상화에서 트롱생 앞에는 서적, 컴파스와 자 같은 기하학도구, 악보가 놓여 있다. 그의 시선이 머문 곳은 왼쪽 이젤 위에 놓인 그림인데 렘브란트의 ‘침대의 여인’(1647)이다. 지금은 스코틀랜드 국립미술관에 있지만 당시 트롱생의 컬렉션이었다. 리오타르가 친구를 위해 그려준 이 초상화는 문학, 미술, 음악 등 예술에 조예가 깊은 트롱생의 풍모를 잘 말해준다.

화목한 가정의 상징

네덜란드 화가 피터르 더 호흐(1629-1684)의 ‘음악을 연주하는 가족’(1663)에서도 음악은 교양의 상징이다. 가족 초상화의 실제 주인공은 알 수 없지만 비단으로 만든 의상이나 실내 가구, 대리석 바닥으로 미루어 볼 때 상당한 부자였음에 틀림 없다. 아기를 돌보며 음악을 듣고 있는 유모의 모습도 보인다. 세공 장식을 한 오른쪽 서랍장 위에 놓인 중국산 도자기나 일본산 보석함에서 동방 무역으로 부를 축적한 황금기 네덜란드의 경제적 위상을 보여준다. 가족들이 악기를 연주하면서 노래하는 모습은 교양뿐만 아니라 화목한 가정의 상징이다. 아무리 돈이 많아도 가족끼리 마음이 맞지 않으면 음악의 하모니를 만들어낼 수 없다.

야콥 오크터벨트(1634-1682)는 로테르담 태생으로 호흐와 동문수학했다. 오크터벨트의 그림에도 음악은 빼놓을 수 없는 주제다. ‘음악 친구들’(1668)에도 음악을 연주하는 남녀가 등장하는데 등장인물들의 몸가짐이나 매너는 고결해 보이지만 벽에 걸린 그림에 등장하는 여성이나 오른쪽에서 뭔가 흥정하는 듯한 남녀의 모습에서 평범한 연주 장면이 아님을 짐작할 수 있다. 성매매를 앞둔 탐색전을 듀오 연주로 고상하게 처리했을 뿐이다. 사실 리코더와 바이올린의 조합은 함께 연주하기에도 썩 어울리지 않는다. 더구나 두 사람 앞에는 악보가 없지 않은가. 여기서 남성이 연주하는 리코더는 고대 그리스의 아울로스에서 물려받은 육체적 쾌락과 성적 탐닉의 상징이다. 생김새부터가 남성의 성기를 닮았다. 리코더가 남성이라면 바이올린은 현악기로 대표되는 여성의 상징이다. 바이올린을 든 여성은 지금 ‘2중주’를 앞두고 망설이는 중이다.

그림에서 관악기는 남성을 상징하기도 하지만 음량이 크고 거칠어서 주로 야외에서 연주하는 악기로 자주 나온다. 프랑스 북부 태생의 화가 삼형제의 막내인 마티유 르냉(1607-1677)은 형들과 마찬가지로 서민층의 일상생활을 즐겨 그렸다. ‘춤을 추는 농가의 아이들’은 마침 마을을 지나가는 거리의 악사의 연주에 맞춰 아이들이 흥겹게 춤추는 장면이다. 농부의 아내는 맨발에다 수염이 덥수룩한 악사의 연주에 집중하지만 농부에겐 얼큰하게 취한 술기운을 더욱 고조시킬 뿐이다. 연주를 겸한 구걸로 받은 사과 네 개가 자루 바깥으로 나와버렸다. 프랑스의 가톨릭 당국에서는 그림에서 가난한 서민의 일상을 담는 것에 대해 부정적인 시각도 있었지만 르냉 형제들은 네덜란드 회화의 영향을 받아 이들에게 따스한 시선을 보냈다. 농민의 삶은 경제적으로는 척박했지만 도회지에 사는 사람들이 보기엔 목가적이고 낭만적일 수도 있다. 악사가 불고 있는 리코더는 목동들이 즐겨 연주하던 악기다.

예술가로서 추구하는 궁극적인 자아

그리스 신화에 나오는 리라의 명인 오르페우스는 트라키아의 왕과 뮤즈신 중 하나인 칼리오페의 아들이다. 아버지가 아폴로라는 이야기도 있다. 리라는 원래 아폴로의 상징인데 오르페우스가 아폴로의 뒤를 이어 명연주자로 두각을 나타냈다. 아내 에우리디케를 잃은 오르페

우스는 지상으로 나왔지만 디오니스소의 여사제들의 노여움을 사서 갈기갈기 찢겨 죽었다. 잘려나간 그의 머리는 계속 노래와 예언을 하면서 파도에 휩쓸려 레스보스섬에 상륙했다. 오르페우스가 비참한 죽음을 당한 것은 아폴로만 숭배했기 때문이다.

음악으로 맹수까지도 감동시킨 오르페우스는 티티아노, 들라크루아, 니콜라 푸생, 귀스타브 모로, 모리스 드니 등 수많은 화가들이 즐겨 그린 소재다. 19세기 프랑스의 상징주의 화가 오딜롱 르동(1840-1916)도 마찬가지다. 클리블랜드 미술관은 그의 작품을 54점이나 소장 중인데 대부분이 판화다. ‘오르페우스’(1903-10)는 오르페우스의 죽음을 다룬 파스텔화다. 뉴욕 현대미술관(MoMA)에도 같은 제목의 목탄화가 있다. 오르페우스의 머리와 리라가 정처없이 떠도는 가운데 배경에는 아폴로와 뮤즈신들이 사는 파르나소스 산이 용솟음친다. 르동에게 오르페우스나 아폴로는 르동이 예술가로서 추구하는 궁극적인 자아의 모습이 아닐까. 르동은 아마추어 음악가 집안에서 태어났다. 친구인 작곡가 에르네스트 쇼송의 피아노 반주에 맞춰 베토벤 바이올린 소나타를 연주했다. 베토벤뿐만 아니라 슈만의 음악을 존경했다. 탄탄한 음악적 구성력에 환상적 세계를 결합했기 때문이다. 슈만에 대한 짧은 에세이를 쓰기도 했다. ‘슈만에 대한 오마주’라는 그림도 남겼다. 쇼송도 그림 솜씨가 뛰어났는데 미술 컬렉터로 유명했다. 파리음악원에 입학하기 전까지만 해도 장래 희망이 작가 아니면 화가였다. 그의 파리 살롱 벽면에는 들라크루아, 드가, 고갱, 마네, 르누아르의 그림이 걸려있었다.