Review

되뇌이고 기억해야 할 역사를 무대 위로 올리다

부산시립합창단 뮤지컬 칸타타 ‘아! 나의 조국’

박진홍 음악평론가

5월 13일과 14일, 양일간 부산문화회관 대극장에서는 부산시립합창단의 제181회 정기연주회, 뮤지컬 칸타타 <아! 나의 조국>이 무대 위에 올랐다. 이날 출연진은 부산시립합창단의 가수와 부산시립극단의 배우, 어린이 배우와 햇살나무 어린이 합창단, 무용수 등이 극 중 역할을, 음악 반주는 부산콘서트오케스트라가 맡으면서 100여 명이 넘는 출연진으로 구성된 웅장한 스케일의 무대였다. 근래 보기 힘든 규모의 공연이다 보니 코로나19로 기획 초기 단계부터 연습, 공연에 많은 어려움이 있었을 텐데, 무사히 성공적으로 끝나 기획, 준비, 공연의 세밀함과 작품의 완성도 면에서도 높은 평가를 받아 마땅하다는 생각이 들었다.

이날 공연은 뮤지컬과 칸타타를 붙여서 ‘뮤지컬 칸타타’라는 장르명으로 구성되었다. 선율이 있는 레치타티보, 벨칸토 창법으로 독창, 중창, 합창을 하는 오페라와는 달리 뮤지컬은 극을 중심으로 하고 대사가 있는 현대화된 극음악이다. 그리고 기악 반주에 노래를 하는 극 형식인 칸타타는 원래 종교적 극음악인 오라토리오를 작은 규모로 편성한 것이다. 이번 공연에 ‘뮤지컬 칸타타’라는 명칭을 붙인 것은 일제강점기, 위안부와 강제징용의 아픈 역사를 극을 통해 풀어내고자 한 점과 이야기를 전달함에 있어 새로운 창작품을 통한 음악적 표현에 중심을 두겠다는 의미였다고 생각된다. 아마 공연의 전 과정에서 이에 대한 고민이 많았던 것 같고 결과적으로 구상했던 것들이 효과적으로 잘 구현된 것으로 보였다.

음악은 서곡을 포함하여 모두 17곡(서곡, 한가, 민중의 함성1, 그날의 기억, 삶은 그렇게 흘러, 백야의 함성, 피로 물든 땅, 오늘도 내일도, 눈물의 강, 어머니의 노래, 소녀 아리랑, 내 이름은 3028, 그날이 오면, 고요한 아침의 나라, 민중의 함성2, 우리의 기억, 아! 나의 조국!)이 각 장면에 배치되었으며 작품의 극본과 작곡은 한국과 뉴욕을 중심으로 활동하고 있는 작곡가 이진실이 맡았다. 그는 실제 피해자들의 증언 내용을 바탕으로 칸타타의 레치타티보를 풀어냈으며 음악을 통하여 각 장면들이 가지고 있는 감정과 분위기를 담고자 했다고 한다. 음악을 들어 보면, 현대음악적인 화성을 통해 극적 효과를 강조하였고 서정적인 선율을 활용하여 대비시켰다. 또 무대 전반에 걸쳐 우리 전통의 창을 활용함으로써 한국적인 정서와 당시 고통받던 이들의 한을 표현하였다. 몇몇 곡에서는 당시 강제징용 피해자들이 불렀던 노래를 활용함으로써 당시의 분위기를 더욱 명확하게 묘사하고자 했다.

막이 오르기 전 서곡이 연주되었다. 웅장함과 긴장감, 잔잔하게 흐르는 슬픈 곡조, 아리랑과 그 뒤를 따른 비장함이 뒤섞여 있었다. 산새 울고 바람 부는 고향 산천의 풍경이 숨어 있고 많은 감정과 상황이 하나씩 부각되며 일제강점기 당시의 혼돈스러운 상황이 잘 표현되었다. 이어서 막이 오르고 당시의 참상과 그 장면을 휘감은 한이 서린 전통 창, 역경을 딛고 울부짓는 대한독립만세가 시간에 따라 지나갔다. 장면과 음악이 끊어지지 않고 흐르면서 작품에 대한 초반 몰입도를 높여 주었다. 부산시립합창단은 극의 흐름에서 표현하고자 했던 분위기

들을 명확하게 해석하여 노래했으며 완성된 표현력을 보여 주었다. 제6곡 ‘백야의 함성’에서는 상황과 감정을 음악적으로 치밀하게 쌓아 올린 노래를 탄탄하고 풍부한 음색의 합창으로

구현하여 기억에 남는다.

공연 전반에 걸쳐 긴장감과 애환, 한의 정서를 적절히 잘 유지해서 감정선을 매우 다이내믹하게 펼쳐냈다. 또 음악의 분위기와 무대의 전환이 매우 자연스럽게 이루어졌다. 특히 이동, 구조, 짜임이 매우 효율적이었고 군더더기가 없었다. 음악의 구성 면에서 독창, 중창, 합창의 배치가 잘되어 단조롭지 않고 흥미도를 높였다. 애끓는 상황과 무너져 내려앉는 마음, 아무것도 할 수 없는 무기력함이 슬픈 노래와 극으로 지속되다가 어느 순간 해방을 맞았다. 강제징용과 위안부로 인해 고통스럽게 하루하루를 이어가던 이들에게 해방의 과정은 중요치 않았으리라. 한순간 찾아온 해방에 어리둥절하기도 하고 또 얼마나 기뻤을 것인가. 그런 해방감이 마지막 노래 ‘아! 나의 조국’에서 터져 나왔다.

무대 장치 면에서 상징적이지만 매우 직관적인 디자인과 장치들을 적절하게 배치하여 분위기와 메시지를 잘 전달하였다. 강금 당한 주인공의 절박한 상황과 마음을 표현하기 위해 문살을 여러 조각으로 분리하여 공중에 띄워 놓았고, 위안부로 끌려온 인물의 심리를 묘사하기 위해 둥근 매듭의 긴 줄을 여러 개 매달아 놓았다. 노래와 극만으로 장면을 진행시키는 일반적 형태에서 탈피하여 미리 준비한 연출 영상과 일제강점기 당시의 사진들을 무대 뒤 벽면에 재생하여 표현력과 몰입도를 높였다.

음악적으로도 작품의 구성, 표현력이 풍부한 극적 효과를 자아냈지만 전달되는 메시지 또한 많은 생각을 하게 했다. 이번 공연의 내용은 아프지만 기억하고 되뇌어야 할 우리 역사의 한 조각이다. 일제강점기의 위안부 문제와 강제징용 문제는 아직도 끝나지 않았고 진행형이다. 시립예술단체에서 훌륭한 예술성을 바탕으로 역사, 사회적 문제를 주제로 창작 공연을 무대에 올렸다는 것이 큰 의미를 갖는다. 앞으로도 부산시립합창단이 순수예술을 통한 미적 향수와 더불어 경계를 넘나들며 음악을 통해 사회적 메시지를 전달하며 선한 영향력을 가진 활동을 이어가기를 기대해 본다.

서구의 문화그늘 속에서 밀려난 전통마술 부활

미스터리 매직 퍼포먼스 ‘스냅’

강열우 부산국제매직페스티벌 집행위원장, 부산예술대학교 교수

객석 양쪽 벽면과 무대바닥에 그림이 움직이고 조명은 감추어진 그림들을 조합하듯이 천천히 창조해낸다. 음악은 디즈니랜드에 입장하는 아이들의 마음을 따르고 무대에는 작품을 위한 오브제들이 눈에 들어온다. 음악이 시작되고 본격적인 공연의 첫걸음에 연기자 한 명이 나와 투명한 통에 빨간 스카프를 넣는다. 다시 두껑을 닫고 손으로 마법을 넣으니 빨간 스카프는 자유를 만끽하듯 춤을 춘다. 또 다른 연기자는 우산으로 장난을 친다. 넘어뜨리고 바로 세우고 넘어뜨리고 바로 세우기를 몇 번 반복하더니 이번에는 우산에 손도 대지 않은 채 공중으로 들어 올린다. 마지막 연기자는 그림책을 들고 나왔다. 펜으로 그림책에 얼굴을 그린 뒤 얼굴의 눈, 코, 입 등을 자유자재로 움직이게 한다. 전반전 공연의 분위기가 흥미로워지자 객석에서는 박수소리가 나오고 세 명의 연기자들은 몸을 빠르게 움직여 무대와 객석을 오버랩시키면서 시공간을 초월하는 무대연출을 이어나간다.

가족애와 신비스러운 스토리를 가진 영미권의 동요 ‘할아버지 시계’ 속으로 장난치기 좋아하는 요정 트릭스터와 함께 관객들은 <스냅>의 미스터리 퍼포먼스에 빠져든다. 공연은 시종일관 관객들을 일상에서 만끽하지 못한 것을 돌려주려는 듯 환상의 공간을 만들어 나간다. 세계 최강을 자랑하는 한국마술사들의 실력도 <스냅> 안에 녹아있다. 현란한 손기술로 끊임없이 생기면 사라지고 사라졌다 싶으면 생기고를 반복하며 관객들의 눈을 의심케하는 카드마술을 선보인다. 요정들이 사건을 전개하고 만드는 이야기에 몰입되면서 어느새 관객들은 저글링과 비둘기 마술, 그리고 삐에로가 안내하는 어린 시절, 추억 같은 마술을 흠뻑 즐기기에 충분하였다.

장면마다 적절한 긴장과 재미를 반복하는 동안 객석의 어린 관객들은 트릭스터들의 행동에 도움이라도 주려는 듯 계속해서 ‘뒤에’, ‘조심해’라고 하는 응원의 메시지를 날린다. 흥미로운 긴장을 유지시켜주기도 하고 다음 장면은 어떻게 되지? 왜 저런 행동을 할까? 또는 가만히 있는 물체가 움직이고 스크린에는 대형 커튼이 등장하듯 모든 것이 상상에 상상을 더해가는 극의 전개와 무대장치, 조명 등이 궁금증을 자아내기에 충분하였다.

이런 것은 내가 보는 것과 내가 알고 있는 것은 동일한 것일까? 우리는 어디까지 눈으로 보고 받아들여야 할까? 고정된 인식의 틀과 불완전한 시각의 차이를 기반으로 한 착각일까? 처음 등장한 그림자놀이, 손으로 자연물의 모습을 취하는 그림자놀이의 모습은 무엇이 실체이고 허상인가에 대한 질문에 빠지게 된다. 우리는 물리적 공간 너머, 상상의 공간으로 어디까지 확장할 수 있을까? 이런 생각은 <스냅>의 공연시작에서부터 끝날 때까지 이어져 온다. <스냅>은 장난치기 좋아하는 요정 ‘트릭스터’를 등장시켜 시공간을 초월하는 문을 통해 의도치 않은 여행을 떠나는 것에서부터 시작된다.

마술은 본래 환상에서부터 시작하여 환상에서 끝나야 환상적이라는 말을 듣는다. 그만큼 다른 예술분야보다 특수성을 발휘해야만 인정을 받는다는 것이다. 이러한 측면을 볼 때 <스냅>은 마술사들의 마술 기술뿐만 아니라 탄탄한 스토리텔링, 요정들의 연기력, 독창적인 무대디자인과 조명, 거기에 과학의 스펙트럼과 결합한 각종 이펙트들이 그것이다. 공연이 끝난 후, 커튼콜이 이어졌고 관객들의 박수갈채를 받으며 출연진들과 인사를 나누고 나는 잰걸음으로 극장을 빠져 나왔다.

<스냅>은 영국 에딘버러 프린지 페스티벌에서 아시안 아츠어워드 대상을 수상했고 그것에 힘입어 미국 브로드웨이 42번가의 뉴빅토리 극장에 초대되어 인기를 끈 작품이며 국내에서는 각종 공모에 선정되는 등 마술계에서는 보기드문 새로운 작품으로 인식되며 응원을 받고 있다. 그런 작품을 보고 뭔가 허전하고 찜찜함을 감출 수 없는 이 마음은 어떤 것일까? 사실 한국마술은 세계최강이다. 예로부터 손기술이 뛰어나 도자기, 옻칠, 금속공예, 무예 등 무수히 많은 손재주들이 있었고 그중 마술도 신라시대 때 궁중에서 음악, 무용과 더불어 ‘정재’처럼 연희된 바도 있고 조선 중기에는 실재 인물인 전우치가 도술과 환술, 둔갑술로 부패한 관리들을 괴롭힌 것으로 기록이 되어있기도 하다. 또한 버나돌리기, 줄타기, 땅재주, 농악, 판소리와 더불어 남사당패의 정식연희종목으로 ‘얼른’이라는 마술이 존재했었다.

구한말 근대화가 시작되면서 남사당패의 쇠퇴와 몰락은 궁이나 양반집의 잔치마당에서나 볼 수 있었던 환술을 사라지게 했고 6·25 동란 이후 서구의 문화제국주의의 하위구조로 밀려나면서 마술은 서커스곡예단과 함께 서양의 기법에 물든 채 대중들을 맞이하게 되었다. <스냅>의 마술 또한 이런저런 맥락으로 서구문화의 영향권 속에 들어와 있다. 지금 한국 마술의 대부분이 그러하겠지만 최근 들어 역사 속으로 사라진 마술들의 복원작업이 공연으로 이어지고 있다.

<스냅>은 스토리텔링을 갖고 있다. 요정을 통한 에피소드들이 주를 이루고 있는 것을 보면 오늘날의 기준에서 볼 때 허황된 이야기에 불과하지만 도술과 관련된 조선시대의 ‘전우치전’과 다를 바 없다고 느껴진다. 21세기 문화경쟁의 구도 속에서 ‘전우치전’의 이야기가 의적소설로 탄생되고 회자되듯이 <스냅>도 서구의 문화그늘 속에서 밀려난 고유한 전통마술을 다듬고 보듬어 세계시장에 선을 보이면 어떨까 하는 바람이 앞선다. 트릭스터가 도깨비가 되어 권선징악을 관장하고 홍길동이 동서남북으로 환술을 펼치며 가난한 백성들을 구제해주는 활약상을 재미있게 그려내어 한국마술의 역사상 최초로 의미있고 진정한 사회적 마술이 탄생되어 에딘버러와 뉴욕의 영광이 한국마술의 정체성으로 다시 인식되기를 바란다.