Review

체홉으로 하나 된 의미 있는 기획

부산시립극단 제70회 정기공연 ‘벚꽃 동산’

허은 연극평론가, 전 경성대학교 연극과 교수

부산시립극단 2020 시즌 프로그램의 주제는 안톤 체홉(Anton Pavlovich Chekhov)이다. 2020년 7월에 <갈매기>(김지용 연출)가 공연되었고 11월 12일부터 14일까지 제68회 정기공연으로 체홉의 단편소설을 각색한 작품 <체홉 이야기>가 릴레이 형식으로 공연되었다. <벚꽃 동산>은 원래 2020년 4월 공연으로 기획되었으나 코로나19로 인해 연기되었다가 우여곡절 끝에 해를 넘겨 2021년 7월 1일부터 3일까지 부산문화회관 중극장에서 공연되었다.

궂은 날씨와 코로나19의 심술 속에서도 공연장은 모처럼 활기를 되찾았다. 비록 한 좌석씩 띄어 앉긴 했지만 1층은 거의 만석이었고, 극장 로비부터 관람객들로 붐볐다. 부산시립극단의 특별한 기획 덕분에 안톤 체홉의 명작을 모처럼 다양하게 감상할 수 있었던 좋은 기회였다. 공연의 우수성을 따지기 전에 부산시립극단의 최근 방향성을 확인할 수 있었고 부산의 관객들은 의미 있는 선물을 받았다. 또 한편으로는 부산의 다양한 연출가, 작가, 연기자가 하나의 주제를 통해서 함께 자리할 수 있었던 소중한 기회였다.

시즌 기획의 마지막 편이 된 <벚꽃 동산>은 <갈매기>, <바냐 아저씨>, <세 자매>와 더불어 안톤 체홉의 대표작으로 알려져 있다. 20세기 초 러시아를 배경으로 한 이 작품은 막대한 빚으로 대대손손 관리해오던 영지를 팔아야 할 위기에 처한 여 지주(地主) 라네프스까야(김은희 분)의 에피소드를 중심으로 한다. 과거의 영광을 버리지 못하고 방황하는 그녀의 센티멘털리즘이 지식인 뜨로피모프(김신효 분)의 이상주의와 신흥 상인 로빠힌(서보기 분)의 현실주의에 부딪히는 모습으로 격변을 겪던 당대 현실을 사실적으로 묘사한다. 동시대의 연출가이자 배우인 스타니슬랍스키는 체홉의 <벚꽃 동산>을 읽었을 때 감격하여 눈물을 흘렸다고 체홉에게 전했다고 한다.

연극사에 남겨진 명작들은 이미 유명세를 가지고 있고 관객에게 익숙해서 이를 무대화하는 경우 지금 이곳의 연출이나 배우들은 항상 긴장하기 마련이다. 이미 희곡 작품으로 명불허전 검증되었기 때문에 이를 새롭게 재탄생시켜야 한다는 강박 관념에 시달리기도 한다. 연출이나 배우가 해석을 어떻게 하느냐에 따라서 명작의 품위가 훼손되기도 하고 어떤 경우에는 명작의 품위를 지키면서도 새로운 해석을 통해 색다른 맛을 관객에게 선물하기도 한다. 원작은 그 작품이 살고 있었던 과거의 사회와 그 시대의 미학적 원리 속에 존재했지만 지금 이곳의 연출은 이 시대의 사회와 미학적 원리와 함께하고 있음이 바탕에 깔려 있어야 한다. 때에 따라서 연출은 원작의 재해석보다는 원래의 향기를 그대로 전하는 경우도 있지만 새로운 해석이라는 이름으로 형식을 변용하기도 하고 비틀기도 한다. 그러나 중요한 것은 지금 이곳, 이 시간의 관객에게 무대에서 발화되고 있는 모든 것에 대하여 시간과 공간을 초월하여 공감대가 형성되어야 하는 것은 기본이다. 무대가 말하고자 하는 것과 동시대 관객이 얻는 것이 균형을 이루어야 비로소 연극은 완성된다.

강성우 연출가는 그 균형점을 찾으려고 무던 노력하고 있는 듯이 보인다. 비록 무대가 주는 시각적 요인들이 다소 불편했지만 연출의 글에서 말하듯이 원작의 흐름을 그대로 살리는 데

집중하였고 겉으로는 화려하고 아름답지만 몰락해가고 소멸해가는 삶의 근원적인 부질없음을 보여줌으로써 비극과 희극이 상징적으로 교차하며 주제 의식을 구현하는 데 집중하였다. 그러한 선언과 방향성을 위한 강성우의 연출력을 보여준 작품이다. 그러나 연출의 노력에도 불구하고 목적이 완전하게 달성되었다고 보기에 의문이 가는 부분이 군데군데 보인다. 연기자의 연기력은 뒤로하고라도 무대 전체를 지배하는 무대 장치 등 시각적 요소들은 관극의 집중력을 흐리게 했고 연기자들의 공간 활용이나 소품, 소도구의 사용은 그것이 거기에 있기에 지문의 지시대로 사용하고 있다는 느낌이 들었다.

라네프스까야의 집 아기 방에 놓여 있는 다양한 소도구나 소품들은 그 일가(一家)의 과거 기억들이며 결코 버릴 수 없는 추억들이다. 계단을 통해 오르게 되어 있는 작은 2층 공간은 그들의 중심 정서가 되는 중요 요소이지만 단지 연기자의 설정된 동선을 위해서만 존재하는 버려진 공간이 되어 있다. 창을 통해 보이는 가상의 공간 역시 관객의 상상력을 자극하기에 너무 무미건조하게 처리되어 버렸다. 설정된 창문으로 보이는 벚꽃 동산은 이 작품을 지배하는 핵심 요소지만 가상의 공간에 대한 연기자의 반응 역시 너무 기계적이어서 여운을 남기지 못한다. 백 년 넘은 책장과 그 위에 꽂혀 있는 오래된 책과의 교감, 연기자의 반응은 무덤덤하다.

특히 마지막 장면의 음향과 모두가 떠난 뒤의 피르스(이혁우 분) 홀로 남는 공간은 극 전체를 지배하는 중요한 모티브임에도 불구하고 무대 위에서 내려오는 정체불명(?)의 구조물 때

문에 여운이 남지 않는다. 과거의 모두가 떠난 텅 빈 방과 늙은 하인, 그리고 멀리서 들리는 아련한 벚나무 치는 도끼의 둔탁한 소리를 통해 앞서 이 방에서 있었던 화려하면서도 희비극적인 무도회를 떠올리고 싶었던 기대는 지나친 것인가? 피르스만이 무대에 홀로 남아 고군분투하며 배역에 몰입할 뿐 그를 도와줄 환경은 거의 없다.

배우만 말하고 행동하는 것이 아니라 무대 장치도 말하고 행동한다. 장치와 주요 인물의 연기가 교감하고 있다는 느낌을 세밀하게 보여주지 못했기 때문에 장치는 장치대로 연기는 연

기대로 따로였다. 소품이나 소도구들에 대한 보다 정밀한 배려가 있었더라면 하는 아쉬움이 남는다. 특히 방 한편에 세워져 있는 100년 넘은 책장의 허술한 활용은 그 방의 주인들이 가지고 있는 정서, 사상의 틀을 상징하기엔 부족함이 많았다. 이번 부산시립극단 시즌 프로그램은 분명 의미가 있었고 맛깔스러웠던 것이 분명한데도 과연 체홉의 작품 세계를 <벚꽃 동산>을 통해 연출의 의도만큼 만끽했느냐고 묻는다면 자신 있게 ‘그렇다’라고 대답하기엔 망설여지는 것은 무슨 이유일까. 공연을 복기(復棋)하면서 그 이유를 다시 생각해 본다.

생명력의 향연

부산시립국악관현악단 특별연주회 ‘그대를 그리웁다’

이정호 부산대학교 한국음악학과 교수

지난 7월 8일 부산문화회관 중극장에서 펼쳐진 부산시립국악관현악단 스타프로젝트 특별연주회 ‘그대를 그리웁다’를 보며 떠올린 생각은 바로 ‘생명력의 향연’이다. 주제에 깔린 모티브들은 ‘죽음’과 연관된 것이지만, 바로 그 ‘죽음’에 관한 연주를 통해 새로운 ‘생명력’을 느낄 수 있는 시간이었다.

이번 공연은 슬픔의 역사, 그중 6·25 한국전쟁을 주제로 삼았다. 전쟁으로 인해 부산으로 온 피란민의 삶, 한국전쟁의 참혹함과 아픔, 그리움들을 음악언어로 표현한 것으로 인간 내면의 마음에 대한 이야기이다. 프로그램을 보면 공연은 전체 4부로 구분하였다. 1부-‘회상’에서는 이정호 작곡의 대금독주를 위한 <소나무>, 대풍류에 의한 실내악 <무화>가 연주되었다. 먼저 대금독주를 위한 ‘소나무’는 높은 산 위에 홀로 서 있는 외로운 소나무의 모습을 표현한 곡으로, 대금 연주자 손한별과 피아노 김보은의 연주로 들려주었다. 무대가 시작하면 대금 연주자가 어둠 속에서 홀로 걸어 들어와 무대 앞쪽 끝에 걸터앉아 조용히 대금을 불기 시작하였고, 적막한 가운데 울려 퍼지는 묵직한 소리는 정적 사이사이를 지나 깊은 울림으로 관객들에게 다가갔다. 그리고 이내 피아노의 화려한 반주가 시작되며 앙상블이 진행되는데, 대금의 높은 ‘청’소리는 마치 소나무의 기개를 표현하듯 꿋꿋하게 퍼져 나왔고, 피아노는 그 대금소리를 포근히 감싸주었다. 아름다웠던 추억을 ‘회상’하듯 진행되었다.

다음 무대는 부산시립국악관현악의 작은 유닛팀인 BMTO(거문고 주윤정, 가야금 하지희, 해금 강민정, 대금 안헌영, 피아노 김보은)의 연주로 대풍류에 의한 실내악 <무화>가 이어졌다. 곡의 작곡자로서 설명을 조금 덧붙이자면, <무화(無化)>라는 제목은 프랑스의 작가이자 철학자인 장 폴 사르트르(JeanꠓPaul Sartre, 1905~1980)의 저서  <존재와 무, 자유를 향한 실존적 탐색>에서 소개된 무화(無化) 작용에서 가져왔다. ‘없어지는 현상’인 무화작용을 통해 대풍류 주요 선율악기인 피리를 빼고 무화하는 작은 과정을 표현한 것으로, 유한(有限)한 것에서 자기 자신을 초월하고 무화하는 영원한 운동, 이것이 바로 무한성(無限性)으로 이어진다고 보았다. 또한 무용반주 및 굿에서 행해지던 ‘대풍류’ 모티브에 의해 ‘무용의 꽃(舞花)’과 ‘무속의 꽃(巫花)’이라는 다양한 의미도 포함된다. 전국에서도 손꼽히는 훌륭한 연주자들이 여기 모여, 더할 나위 없이 멋지고 귀중한 연주를 보여주었다.

2부-‘전쟁 그리고 지옥’에서는 최정욱 구성의 타악합주 <Infernal>, 이정호 작곡의 거문고독주를 위한 <Burning>이 연주되었다. 먼저 <Infernal>은 최정욱, 이현서, 이충인, 전정현 등 4인의 타악연주자들이 서로의 에너지를 합하여 모두에게 전해주었다. 대북으로 포문을 연 뒤 여러가지 쇠소리 악기들로 만들어낸 직관적인 사운드가 좌중을 압도하였다. 이내 장구 솔로와 함께 더욱 몰아쳐가며 다양한 리듬을 표현해가면서 분위기를 고조시켰다. 좋은 구성력과 네 명의 연주자가 만들어내는 호흡감은 충분히 훌륭하였고, 이에 객석의 관객들도 큰 박수로 이들의 연주에 화답하였다.

다음 이어진 <Burning> 무대에서도 에너지 넘치는 열정적인 연주가 이어졌다. 이미 이곡의 위촉초연자로서 많은 연주경험이 있는 송다솔 연주자는 이번 공연에서도 의심의 여지없이 깊이 있는 연주를 들려주었다. 전자사운드(MIDI)의 진행 위에 거문고 특유의 민속악적 선율주법이 진행되는데, 유명한 평론가의 말을 빌리자면 ‘송다솔 연주자는 <Burning>이라는 곡과 하나가 되었다’고도 표현한 바 있다. 이처럼 하나의 곡을 자기화시켜 연주한다는 것은 긴 연습시간이 아니고선 불가능한데, 깊은 연구와 연습을 통해 좋은 연주를 보여준 송다솔 연주자에게 작곡가로서 감사의 마음을 전한다.

3부-‘죽음, 그리움’에 포함된 두 곡은 모두 노래곡으로 박성희 명창이 노래하였다. 먼저 <상여가_그대 다시 못 올 강을>에서는 부산대학교 한국음악학과 작곡 석사과정 중인 차민영이 작곡과 피아노를 맡아 ‘상여소리’를 현대적으로 해석한 감각적인 작품을 만들었다. 특히 피아노 인트로는 곡 전체적인 분위기를 전달하였고, 그 위에 대아쟁과 소아쟁을 넘나들며 멋진 연주를 한 정선겸의 아쟁연주도 빛났다. 애절하면서 격한 아쟁의 선율은 극한의 클라이맥스로 우리를 이끌었다. 이어서 부산대학교 한국음악학과 작곡 박사과정 중인 이지영 작곡의 <시연가_만단정화를 하고지고>는 ‘님을 그리워하는 노래곡’으로 가슴 절절한 가사와 노래선율이 모두의 마음을 사로잡았다. 고려속요 ‘가시리’와 판소리 춘향가 중 ‘갈까부다’ 대목을 접목시켜 작곡하여 전통과 현대를 넘나드는 시간여행을 하듯 우리를 두 세계로 인도하였다.

4부-‘Death & Rebirth'에서는 이정호 작곡 <Death, Rebirth, Cycles>가 전현진의 거문고 독주로 약 10분간의 긴 호흡으로 연주되었다. 오케스트라 사운드 위에 특수주법들이 표현되고, 연주자의 진지하고 멋진 퍼포먼스를 통해 죽음이 승화되는 과정을 그려냈다. ‘윤회’를 가정하며 쓴 이 곡의 곡 해설 중 일부를 소개하면 다음과 같다. ‘죽음은 이내 깊은 어둠으로 빨려 들어가지만, 어느새 새 세상에 대해 다시 첫눈을 뜨며 호기심 어린 눈망울이 새 빛을 본다. 그렇게 또다시 길고도 짧은 한 일생을 살아가게 될 것이다. 이 곡은 순환의 인생을 가정하며 삶과 죽음을 표현하였다.’

연출, 조명, 무대디자인, 영상 등 전체적인 무대연출이 아주 세련되었고, 연주회의 여러 곡들을 따로따로 감상하는 것이 아니라, 뛰어난 하나의 작품을 감상하는 느낌을 받아서 좋았다. 거기에 연주자들의 멋진 연주도 한몫하였다. 이처럼 앞으로도 우리 국악이 다양하고 새로운 모습으로 관객들과 소통하기를 바라고, 그 한가운데 부산시립국악관현악단이 있을 것으로 기대한다.

잃어버린 시간을 찾아 떠나는 여행

(재)부산문화회관 기획전 ‘매그넘 인 파리(Magnum in Paris)

장원 미술비평가, 예술학박사

이번 여름에는 사람들이 휴가나 여행을 어떻게 계획하고 어떻게 실행에 옮기고 있을까? 코로나 사태의 장기화에 따라 높아진 피로감과 느슨해진 경각심 사이로 침투한 변이 바이러스들은 무더위 속에서 숨 쉬기도 어려운 마스크 너머로부터 우리를 더욱 강력하게 위협하고 있다. 그럼에도 올 여름의 국내 여객기 예매율이 사상 최대치를 기록한다는 것은, 일상으로부터 벗어나 휴식과 자유를 누리고픈 우리의 열망이 그만큼 커졌다는 반증이기도 하다. 특히나 해외여행은 고사하고, 바다 건너편 인접 국가인 일본의 올림픽 경기마저 무관중으로 진행되는 상황에서 사람들의 피로감과 불안감은 우리를 그 어느 때보다도 위축되게 한다. 어떤 이들은 아마도 외출이나 여행 대신, 에어컨 바람을 쐬며 TV로 경기를 시청하는 것이 현 시점에서 가장 안전하고 자유로운 휴식이라고 일찌감치 마음을 정했을 수도 있다.

그런데 이번 여름부터 10월 초까지 부산문화회관에서 경험할 수 있는 특별한 여행이 하나의 대안으로 마련되어 있다. 바로 <매그넘 인 파리(Magnum in Paris)>라는 사진 전시회이다. 타지로의 여행이나 외출이 불안하면서도 일상의 공간으로부터 벗어나고픈 열망이 강한 이들에게는, 어쩌면 이 전시가 안성맞춤의 기회일 수도 있다. 여기에서는 사진을 통해 프랑스의 파리라는 공간을 여행할 수도 있으며, 또한 시간을 거슬러 이 도시의 근현대사를 다양하게 살피는 여정에 오를수도 있다. 그래서 이 전시회는 모든 관람객들에게 파리로 떠날 수 있는 비행기 티켓(전시 입장권)과 프랑스 입국에 필요한 여권을 제공한다.

‘매그넘’이란 원래 라틴어로, ‘크다’란 뜻과 여기에서 파생된 ‘중요한’, ‘대표적인’이란 사전적 의미를 지니고 있다. 매그넘 포토스(Magnum Photos)는 ‘세상을 있는 그대로 기록한다’는 포토저널리즘의 기치 아래, 세계적으로 명성을 떨치는 보도사진가들이 활동해오고 있는 자유 보도 사진작가 그룹이다. 제2차 세계대전이 끝나고 1947년에 첫 걸음을 내딛은 이 그룹은 앙리 카르티에 브레송(Henri Cartier-Bresson), 로버트 카파(Robert Capa), 데이비드 시무어(David Seymour) 등의 사진가들이 소속 회원들의 작품 저작권을 지키는 동시에 대기업화된 언론사로부터 자율성을 보장받기 위한 취지로 창립하였다. 그러므로 이들은 보도사진을 촬영하면서도 언론사에 소속된 사진가들과 달리 각자의 자유로운 입장과 시선에 따른 개성을 발휘해오고 있다. 즉, 기록과 증언이라는 포토저널리즘에 충실하면서도 사진의 예술성을 동시에 성취하는 것이 매그넘 사진가들을 세계적인 사진작가로 인정받게 해준 원동력인 것이다. 그만큼 수준 높은 ‘작품’과 보도 사진의 윤리를 철저히 지키고자 하기 때문에 매우 까다로운 가입 조건을 내걸고 있으며, 대한민국 사진가 중에는 아직 회원이 배출되지 않았다. 그럼에도 국내에서는 매그넘 전시회가 여러 차례 열리면서 관객들과 꾸준한 만남을 가져왔으며, 특히 9명의 매그넘 작가들이 한국을 주제로 2년 간 사진에 담아낸 <매그넘, 사진의 비밀 - Brilliant Korea>전이 2015년에 세종문화회관에서 개최될 때에는 필자가 한 부분의 기획을 맡아 전시에 참여하기도 했다.

매그넘 포토스에 대한 일반적인 소개는 이쯤 하고, 부산에서 파리로 떠나는 여행 이야기로 다시 돌아가 보자. 부산문화회관에서의 <매그넘 인 파리>를 통한 시공간의 여행은 매그넘 소속 작가 39명의 300점에 가까운 사진들을 통해 이루어지는 만큼, 매우 풍요로운 정보와 더불어 시공간을 거스르는 여행에 걸맞은 다채로운 연계 프로그램들이 제공된다. 관객들은 먼저 입장권으로 부산-드골 공항의 항공 탑승권을 끊으면, 입국을 허락해줄 여권과 체험 워크북을 받게 된다. 물론 여권심사 만큼 입장 전의 정확한 발열 체크는 필수이며, 프랑스 국기 모양의 스티커가 발부되어 모든 여행객의 안전 관람이 인증된다. 그런데 관객이 들어서며 마주하게 되는 파리에서의 첫 여행지는 시간이 한참 되돌려진 19세기 중반의 나폴레옹 3세 시대이며, 여기에서는 당시의 풍경을 담아낸 일러스트뿐만 아니라 고(古)지도를 통해 파리의 옛 시가 모습을 살펴볼 수 있다. 또한 전시장에 배치된 옛 도서들이나 가구 등은 매그넘 사진들을 보기 전에 작가들이 주제로 담아낸 파리에서의 시간여행을 하는 듯한 분위기를 한층 강화해준다. 그렇다면 이번 전시는 왜 파리가 배경일까? 그리고 왜 파리라는 공간으로의 여행만이 아닌, 그곳의 시간을 거꾸로 여행하는 것일까?

독일의 철학자 발터 벤야민이 예찬했듯이, 근현대의 수많은 사상가와 예술가들 및 문호들은 근대 도시의 이상적인 모델로 파리를 꼽았다. 파리가 지금의 면모를 갖추게 된 것은 1860년대 나폴레옹 3세 치하에서 당시 파리 시장이었던 오스망 남작의 재개발 프로젝트 이후부터였다. 이때 현대적인 상하수도 시설을 통해 도시를 정비했고, 개선문을 중심으로 한 환상(環狀)형 도로는 근대 사회의 기능성과 실용성을 표상하며 많은 도시들에게 영감을 주었다. 시민혁명으로 이룩한 새로운 사회 속의 파리는 현대적 면모를 갖추어 가며 미술, 문학, 패션, 음식 등 예술과 문화의 영역을 선도했고, 에펠탑이 상징하듯이 만국박람회를 통해 당대의 첨단 산업을 주도했다. 무엇보다도 사진과 영화가 발명된 곳 역시 파리였으며, 세계 최초의 공공미술관인 루브르미술관 역시 파리에 자리 잡고 있다. 프루스트, 발자크, 빅토르 위고, 조르주 상드, 플로베르, 에밀 졸라, 보부아르, 카뮈 등의 대문호들과 함께 마네, 모네, 르누아르, 드가, 세잔, 고갱, 마티스 등의 미술가들을 배출하거나 피카소 같은 외국인들이 모여드는 예술적 영감의 중심지가 파리였던 것이다. 음악에서도 생상, 드뷔시, 라벨, 사티, 메시앙 등을 통해 독일이나 러시아 못지않게 서양 고전음악의 커다란 한 축을 담당했으며,

20세기에는 베르그송, 사르트르, 메를로-퐁티, 리오타르, 라캉, 푸코, 바르트, 들뢰즈, 데리다 같은 사상가들을 배출한 현대철학의 중심지였던 것이다. 매그넘 사진들을 통해 우리가 여행하는 파리라는 공간은 이 파리지엔들의 생전 모습도 만날 수 있게 해주는 동시에, 세계 근현대 문화사의 족적을 남긴 도시의 시간 여정을 함께 관통하게 해준다. 이곳에서 여행객(관람객)들은 이내 보들레르가 근대 파리지엔의 특성으로 명명했던 ‘플라뇌르(Flâneur: 산책자)’가 되어 그랑 팔레(Grand Plais)의 개관 당시 일러스트, 파리 만국박람회 사진집, 에펠탑의 설계부터 건립 과정, 그리고 매그넘 사진들을 통해 1930년대부터 현재까지의 시간 여행을 즐길 수 있게 될 것이다.

벌써부터 많은 언론매체에서 부산문화회관의 이번 전시에 대한 호평이 쏟아지고 있는 것은, 아마도 전시 자체의 충실도와 더불어 다양한 설정과 연계 특강 등 <매그넘 인 파리> 부산

전시에서만 특별히 기획된 세심한 프로그램들이 곳곳에서 체감되기 때문일 것이다. 부산에서의 <매그넘 인 파리>전은 처음 공개되는 파리의 스케치 영상과 한국에서만 구성된 ‘엘리엇 어윗(Elliot Erwitt) 특별전’을 포함하며, 122컷의 비공개 사진을 영상으로 담은 자료도 함께 볼 수 있다. 여기에 ‘파리, 패션의 매혹-파리의 패션과 럭셔리한 파리의 얼굴’ 섹션은 파리를 말할 때 빼놓을 수 없는 강력한 유혹일 것이다. 이 같은 파리(Paris)라는 공간에서의 시간여행을 위해 기획된 다양한 분야의 '아티스트 콜라보레이션' 작업과 함께, 부산문화회관의 이번 전시를 위해 문학, 예술사, 사진, 패션 장르의 전문가들이 초청되어 <매그넘 인 파리>를 새롭게 보기 위한 특강이 특별히 기획되었다. 실제로 이 특강을 듣고 난 전후 또 다른 감상이 가능했다며 만족감을 표현하는 관람객들을 현장에서 찾아볼 수 있었다. 파리의 역사와 관광 명소를 알아볼 수 있는 체험코너 역시 여행객(관람객)들의 편의를 위해 마련되어 있으며, 직접 파리에 방문한 것처럼 사진을 찍을 수 있도록 ‘사랑해 벽(Love Wall)’을 재현한 포토존도 갖추어져 있다. 여행이 끝나면 갈증을 채워줄 프랑스의 천연 탄산수 페리에(Perrier)는 SNS로 인증하여 받을 수 있다. 프루스트의 소설 ‘잃어버린 시간을 찾아서’라는 제목처럼 이번 여름에는 역사와 예술의 역사 속 상상의 여행을 떠나보기를 권해본다. 그리고 이 시간여행에서 매그넘 사진가들이 카메라 렌즈를 통해 바라보고자 했던 세상, 그들이 사진을 통해 기록한 사람의 모습들을 함께 느끼게 되는 소중한 체험의 여정이 되길 바란다